Una Locura de Película

2012-12-25T23:21:00.001-02:00

Robo en las alturas

2012-02-13T23:40:00.001-02:00

Tower heist.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

“Sin haber estado tan cerca del cielo, puedo comprender la presión”. Uno no puede esperar demasiado de “Robo en las alturas”, o al menos, no debe esperar tanto. Después de todo, es una comedia tonta, y que se ríe de su falta de imaginación. El plan consiste en vengar una estafa, y el personal de un hotel, ayudado por un ladrón callejero, intenta pensar cómo recuperar lo que les ha sido robado. Siempre nos queda la idea de que no se esfuerzan demasiado por recuperar lo que han perdido. Razón por la cual elaboran un recorrido absurdo, condenado al desastre. Porque son ladrones amateurs, porque no saben complementarse como personas, no saben unirse ante el caos, simplemente saben actuar desde el pálpito, el peligro, con la mano extendida de la suerte, omnipresente.

El elenco reúne a reyes de la comedia, como Ben Stiller, Eddie Murphy, Matthew Broderick. Y otros muy buenos actores que, siendo mejores en otros géneros, acá logran lucirse bastante, como Alan Alda, Casey Affleck y Gabourey Sidibe. Pero quien concentra todas las escasas risas que puede soltar la gente en una sala de proyección, es indudablemente Téa Leoni, cuyo personaje está resuelto sin ganas (casi como el resto de los personajes), pero que sabe dar en la tecla y hacernos reír. Principalmente si está bajo efectos del alcohol. En sí, “Robo en las alturas” puede sumar puntos por eso mismo: porque los actores saben revolear el avión para todos lados, mantener el entretenimiento en alto, sin que se estrelle. Además, algunas secuencias de acción están muy bien filmadas, lo que la favorece. No hay espacio para el aburrimiento, ya sea por una cosa o por la otra.

No hay demasiadas más cosas para destacar. Una comedia de acción hecha sin ganas, con situaciones complejas y redes desenmarañables que se liberan demasiado rápido y muy casualmente, cosa que deja en evidencia a los guionistas: ¿no son capaces de destripar un conflicto con algo más de sutileza, de verosimilitud? Evidentemente no. Pero en ese trato superficial está lo bueno: “Robo en las alturas” no busca llegar demasiado lejos, ni analizar algo más allá de lo que se muestra. Simplemente pacta con el espectador el pasar un buen rato a costa de un ejército de rubias. Hueco pero divertido.

Puntuación: 5/10 (Floja)

Larry Crowne

2012-02-12T22:44:00.002-02:00

Larry Crowne.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Tom Hanks es el máximo responsable de “Larry Crowne”, como productor, director, guionista e intérprete principal. Digamos que escribe unas líneas bastante interesantes en conjunto con Nia Vardalos, algunas mucho más profundas de lo que parecen, produce y dirige una comedia romántica agradable, del subgénero “it’s never too late for a second chance” (Nunca es demasiado tarde para una segunda oportunidad), con actores maduros (otros casos: “Noches de tormenta” con Richard Gere y Diane Lane; “Tu última oportunidad” con Dustin Hoffman y Emma Thompson) e historia medianamente adulta. Y como actor, Tom Hanks se regala a sí mismo un personaje que padece (no recuerdo si se explicita o no) un retraso mental terrible, pero en el fondo es un sujeto entrañable, inteligente y abnegado. Al ser despedido por no tener estudios universitarios, decide embarcarse en la aventura de estudiar, casi a los cincuenta años, y se enamora de su profesora de oratoria (interpretada por Julia Roberts). Por fortuna, el mensaje es alentador: “la universidad es fácil”. O al menos “Larry Crowne” deja en claro esto, que no hay demasiado detrás de los estudios, y que cualquiera, incluyendo un retrasado mental desempleado, puede aprender si lo hace con amor.

Tiene la duración justa y está plagada de clichés, no es más ni menos que una típica comedia romántica americana, pero cuenta con el encanto de dos enormes actores que saben lo que es actuar, que hacen creíble una relación bastante inverosímil, dado que los personajes están pésimamente escritos. Pero las situaciones no, son mucho mejores. Básicamente, porque exponen la realidad económica mundial, inspiran a comprender de forma aproximada la magnitud de los acontecimientos que atraviesan el globo. Y no necesita dar lecciones de economía para que el espectador comprenda la crisis, simplemente nos aporta una historia de vida (veraz o no) y nos permite descubrir detrás de toda la sonrisa y la gracia, del tonteo y la pavada, que las cosas en el mundo real no están funcionando bien.

No creo que pese a sus errores sea un fraude. Como comedia cumple, hace reír desde lo sano y lo inocente, diálogos a veces ingenuos, un humor cándido, pero que dibujan una sonrisa, por leve y vergonzosa que sea. Como romance también, el vínculo no se hace tan chato, y digamos que entre dos dibujos, el amor adquiere cierto volumen necesario. Como crítica, ha podido arriesgarse mucho más, pero hace una revisión buena de la situación global. Y por último, un elenco sin tanto lujo, que acaba siendo útil. Desde una inflada Pam Grier, (¿dónde quedó Jackie Brown?), pasando por los divertidos Rami Malek, la voz de Nia Vardalos, y quien se devora la película de un bocado: George Takei. Todos conforman una película para sentirse bien, pero sin evitar sentir cierta culpa porque, de alguna forma, uno no debería sentirse así.

Puntuación: 5/10 (Floja)

Take shelter

2012-02-11T23:22:00.002-02:00

Take shelter.

Trailer en su versión original.

Crítica.

“Take Shelter”, de Jeff Nichols, parece un extracto de una novela de Stephen King. Tiene un dominio muy preciso del thriller psicológico, aunque sin el humor (que a veces puede ser útil) del maestro del terror; es un poco más seria, bastante más drástica y, en su contenido humano, poco reconfortante. Por alguna que otra similitud en la temática, me recuerda un poco a “El Resplandor”: de hecho, hay una escena que involucra dos moscas, un cuchillo y a Jessica Chastain, donde el aire se corta con la mano, tanta tensión como en la legendaria escena de “la mujer en la bañera” que abraza a Nicholson en la mencionada obra de Kubrick. Protagonizada por Michael Shannon, quien ha brillado años atrás en “Sólo un sueño”, y la actriz en ascenso Jessica Chastain, este drama de tintes apocalípticos no deja indiferente. Es terrorífica como pocas, deprimente, triste pero muy entretenida.

La historia se cierra en el protagónico masculino, un hombre de familia de clase trabajadora en los Estados Unidos (y volvemos a las referencias de King: gente trabajadora en situaciones extraordinarias, además de tratar otra cuestión bastante recurrente, como la crisis económica), que comienza a tener visiones extrañas. La naturaleza, ya sea en sueños o en la vida real, se comporta de una manera extraña. Pero su temor no pasa por el hecho de que, de golpe, comiencen a caer gotas anaranjadas del cielo, sino porque siente que ha sido elegido para transmitir un mensaje. La paranoia, si se quiere, tiene que ver con el futuro, con su nueva responsabilidad: la de proteger a su familia, a costa de todo. Por tal motivo, dándole sentido a su título, construye un refugio subterráneo.

Estamos ante una obra buenísima, sostenida en un 70% sobre el cuerpo de un Michael Shannon mejor que nunca, ofreciéndonos una actuación que es escandalosa durante los brotes psicóticos, pero que es aún mejor en los lapsos de cordura. El resto, es pura fotografía, efectos que intentan emular la textura de un sueño. Y lo hacen con inteligencia: estos sueños no tienen un origen, acaban en un momento límite, no son momentos salpicados sino una inacabable pesadilla que hiere los sentidos. Pocas películas saben transmitir el terror de una manera tan interesante, muchos creen que es cuestión de “sobresaltar” en un segundo al espectador recurriendo a trucos, a maniobras tontas. “Take Shelter” aterroriza en su conjunto, además de todos los grandiosos momentos que la forman (sin olvidar esa feroz dedicatoria a una de las más gloriosas películas de Paul Thomas Anderson), incluyendo un final ambiguo muy efectivo. Aunque sí hay alguna escena de más (como la conversación del protagonista con su madre: y aclaro, no me molesta que la historia aparezca, pero la escena en sí no suma en nada, se ve sobreactuada y parece restar), son dos horas de cine con todas las letras.

Puntuación: 8/10 (Muy buena)

Kung fu panda 2

2012-02-10T17:29:00.002-02:00

Kung fu panda 2.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Jennifer Yuh viene a salvar el inminente caos, entregándonos en mano uno de los pocos ejemplos donde la segunda parte supera de forma amplia a la versión original. La innecesaria secuela de la comedia de acción sobre un panda que hace “kung fu” (o intenta realizar una versión alternativa de esta técnica) cobra un sentido inesperado. Porque uno como espectador suele negar y negarse que las segundas partes sean algo necesario. Pero la primera parte, entre otras cosas, deja demasiados asuntos pendientes. “Kung fu panda 2” se convierte en varias cosas gracias al talento de su directora, de su equipo de producción y de sus guionistas: en una animación entretenida y sorprendente, en algo útil y enérgico. Y lo más importante: se convierte en un trabajo dedicado a analizar desde una visión más contemporánea la historia de Moisés, haciéndola presente en ambas obras donde, inesperadamente, aparece una criatura sin padre y sin madre, sin nota y sin nombre.

Considerablemente más divertida que la primera, conserva aún algunos de los desajustes de su predecesora, como la falta de gracia. Pero el niño que ha escrito el guión, con el tiempo, ha madurado. Y además, dedica su elegante trabajo a personas un poco más adultas. Combina una leyenda imbécil con un planteamiento introspectivo con el que, seguramente, ha recibido ayuda de algún familiar. Volviéndose mística (adivinos que predicen el futuro, villanos que quieren desligarse del pasado y antihéroes que no pueden mirar adelante sin saber con certeza qué es lo que dejan atrás), e incluso filosófica, esta odisea se vuelve más interesante cuando los golpes de suerte le entregan en bandeja a Po una verdad que ha estado buscando toda su vida, y que su padre el ganso, como verán, genéticamente idéntico, no le ha comentado ni sugerido en ninguna oportunidad.

Esta filosofía le da al panda una razón para luchar, así como le da a la película una razón para ser vista sin miedo. Porque tonterías moderadas podemos soportar todos, siempre que detrás haya una causa noble. Acá, lo artístico (que es aún mejor) se funde con buenas ideas, que los diálogos siguen sin saber transmitir, pero que llegan con una historia bastante precavida capaz de tomar atajos para llegar al ojo del espectador. No es una gran película, pero sí una buena historia muy bien realizada. Desgraciadamente le niega a Dustin Hoffman el protagonismo merecido, y se centra en Jack Black y sus cinco marionetas, en un espectáculo pleno de acción, aún vistoso, abierto a una tercera parte que seguramente habrá de clarificar las dudas que ésta ha sembrado, ahora sí, de manera innecesaria.

Puntuación: 6/10 (Buena)

Kung fu panda

2012-02-09T20:27:00.002-02:00

Kung fu panda.

Crítica.

Po, el panda al que da la voz el actor cómico Jack Black, debe ser el único personaje con el que el humorista no se jacta de sus habilidades para tararear canciones. Parece ser que este artista de la comedia estúpida encuentra en la animación un resguardo más seguro, pues no lo expone ni a él, ni a sus insufribles muecas. Aunque la esencia de ambos (de Po y de Black) es la misma, más allá de que los efectos de la caricatura tiendan a tapar la realidad: son dos sujetos ordinarios, vulgares y buenos para nada, aunque visto con el catalejo de Dreamworks, la situación puede convertirse en otra radicalmente distinta. Después de todo, esta famosa productora (que se ha convertido en la segunda empresa líder de animaciones cinematográficas, basándonos estrictamente en lo técnico) suele hacer lo mismo con todos sus personajes, aunque con algunas variaciones. Son criaturas comunes y corrientes que deben aprender a asumir su rol en situaciones extraordinarias a través de la aceptación de sus propios defectos y, por sobre todas las cosas, considerando y explotando sus escasas virtudes.

No me voy a poner a discutir con nadie lo bien que se ve “Kung fu panda”, queda a la vista de todos el virtuosismo visual que se despliega en estos grandes escenarios de la China donde todos hablan inglés. Todo está exquisitamente montado, fiel a los más mínimos e insignificantes detalles. Aunque no alcanza. Se comete el pecado que, constantemente, cometen películas infantiles: dado que su duración es usualmente breve, pues rara vez exceden los noventa minutos, no saben qué hacer con tan poco tiempo. Y lo manejan mal. Entonces, sucede algo obvio: hay demasiado entusiasmo con el principio, con la presentación de personajes (que dicho sea de paso, es muy buena), con la transición del mundo ordinario al mundo extraordinario, pero la resolución acaba viéndose afectada por el apuro. De esta forma, se explica por qué todas las animaciones están destinadas al fracaso (no en taquilla, desde luego), y es porque son incapaces de redondear una historia acorde a los parámetros de tiempo que ellos mismos, de alguna forma, se proponen.

Pese a no ser una comedia de acción fallida, tiene sus problemas y sus puntos fuertes. Es bastante dinámica, las escenas de acción están muy bien hechas, todos los personajes son buenos en sí solos y se lucen, tienen su lugar. Aún así, no creo que ninguno de todos los que asoman la cara me genere algo de gracia. Mucho menos, creo que me hagan soltar una risa. “Kung fu panda” sabe que tiene la posibilidad de ganar terreno mostrando, y opta por mostrar en lugar de contar; una decisión más que inteligente, que no todos son capaces de tomar, y mucho menos de ejecutar con decencia. Ahora bien, que los diálogos (que son los canales mediante los que fluye un mensaje) parezcan escritos por un niño de tres años dedicados a bebés de tres meses, es un hecho. Y me atrevo a decir que es un hecho bastante lamentable. Déjense llevar por lo que ven, y no la oigan. Es el mejor remedio.

Puntuación: 4/10 (Regular)

Gigantes de acero

2012-02-08T23:05:00.002-02:00

Real steel.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Hugo Jackman está bastante lejos de ser Nick Nolte, pero ambos interpretan casi el mismo papel en dos trabajos que, sea por la inmensa cantidad de clichés o por la historia en sí, pueden llegar a sentirse identificados uno del otro. En los dos casos, notamos la difícil relación entre un padre y un hijo, de los cuales uno está dispuesto a recomponer las cosas. Pero aunque la cuestión humana no adquiere la complejidad debida en “Gigantes de acero”, cosa que puede notarse también en el final (del que uno no puede fiarse: este tipo de trabajos siempre puede extenderse en una secuela explicativa o arrepentida, seguramente peor), está claro que la película tiene todo lo que gusta al público, e inclusive a los críticos. Porque el deporte (el boxeo, las artes marciales mixtas, la lucha) llama la atención, y aunque no lo quiera, emociona por alguna razón. Acá, es imposible no sentir simpatía con una, o varias máquinas. Más, cuando son máquinas que reciben palizas como en ninguna otra película de similar temática. Estamos frente a una obra básica, de la que no puede extraerse mucho fuera del entretenimiento, que nos mantiene en vilo durante dos horas apasionantes.

El guión parece un bote bombardeado, está plagado de agujeros, grietas, fallas, desperfectos. La historia es sencillísima e, insisto, hace pie en lo más superfluo, como en las competencias y en el entusiasmo que despiertan en un joven. Puede ser que esté en la sangre, pero ese entusiasmo posiblemente tenga que ver con las posibilidades de recomponer una relación necesaria: un niño que, al morirse su madre, necesita un sostén que nadie puede darle fuera de su propio padre, un gran Jackman, desalmado, robótico, víctima de la tierna experiencia de esta “extraña pareja” a lo largo de la cinta. Una comedia de acción que no podrán perderse los más chicos, aunque cautivará la atención de los más grandes.

Por otra parte, en este futuro cercano, el boxeo está protagonizado por criaturas robóticas: controladas manualmente, con registro de voz, con máquinas auxiliares (la tecnología se dispone a justificar los innumerables golpes de suerte, que no son tantos, pero sí conservan la obviedad de “Warrior”). Para lograr un efecto creíble, capaz de sustentar tanta tecnología futurista en un plano más palpable, hay un gran trabajo del equipo técnico. De hecho, le ha hecho conseguir una nominación al Oscar por sus efectos visuales, que no son gran cosa, considerando lo que los estudios son capaces de hacer, pero que agilizan la historia. Un entretenimiento para el pueblo, que no justifica las extrañas reacciones humanas, se dedica de lleno en estudiar a la máquina. Dejo a criterio del lector si es un error o un acierto para la historia. Desde lo personal, la calificación y lo previamente mencionado dejará bastante clara mi postura al respecto.

Puntuación: 5/10 (Floja)

Une vie de chat

2012-02-07T00:30:00.001-02:00

Une vie de chat.

Trailer subtitulado al inglés.

Crítica.

“Une vie de chat” es de esas maravillas chiquitas que encantan no por todo lo que se ve, sino por todo lo que sugiere. La animación no requiere de enormes tecnologías para ir más allá de la pantalla, porque aunque parezca que caigo en un lugar común (cosa que probable e inconscientemente esté haciendo), estoy seguro que es más tridimensional que muchas que requieren gafas. Esta joyita francesa eleva a un simple gato, que no tiene nada que lo haga un animal especial (no habla, no baila en el polo, no practica kung fu), a la categoría de humano. Lo presenta como una criatura contradictoria, por momentos inteligente, por momentos perezosa; muy perceptiva, sentimental y hábil cuando la situación lo requiere. Este gato parisino se ve envuelto en una lucha que quizá no comprenda, pero aún así no deja de estar entre la espada y la pared. Una mujer que quiere vengarse tomando con fuerza la empuñadura, un hombre malvado que se ha quedado sin recursos y está acorralado.

Más allá de que tenga una extensión deseable (pues dura menos de una hora), de que siempre de lugar a una situación divertida o interesante, de que recree muy bien a los personajes, no termina de convencer en algunos pocos aspectos. En primer lugar, porque toda la acción se concentra, con exceso de casualidad, en unos pocos personajes, en poco tiempo, en un espacio compacto. En segundo lugar, porque parte de este exceso de casualidad acaba tironeando de los pelos varios momentos de la obra, donde sustituye lo veraz por algo un poco fantasioso. En tercer y último lugar, porque toda la emoción y el vértigo de una película en las alturas, se corta de forma demasiado abrupta. No digo que deba durar más (o quizá sí), simplemente que pueden equilibrarse mejor los contenidos para darle más lugar a las cosas necesarias. Eso sí, creo que nadie pondrá en dudas lo bien que están logrados los diez minutos finales. Parecen extraídos de una obra maestra.

La noche en París irradia una magia particular, que puede identificarse con las visiones y las experiencias de Valèrie Tasso: oscura pero atractiva. Por supuesto, además de que la estética sea brillante, se sostiene con una gran historia. A veces los seres humanos nos vemos situados, involuntariamente, en medio de disyuntivas que no podemos clarificar. A veces nos quedamos sin habla, y necesitamos algo de tiempo para entender qué es lo mejor. El final de “Une vie de chat” sorprenderá, y muy probablemente sea condenado. Desde lo personal, me dejó sin palabras, y en el mejor de los sentidos. Me dejó sediento de una segunda parte, de las secuencias de acción, de la estupidez imperdonable de cuatro inútiles secuaces del crimen, que se convirtieron en lo mejor de la película. Los músculos de mi cara sintieron un cosquilleo raro, como de alguien casi quedándose embobado. También dibujaron una sonrisa que no se borró hasta un buen rato después de terminar de verla.

Puntuación: 7/10 (Notable)

Pina

2012-02-06T01:53:00.002-02:00

Pina.

Trailer en su versión original.

Crítica.

“Pina” es, sobre todas las cosas, un homenaje. De esos que los grandes cineastas (y se me viene a la cabeza Manoel de Oliveira, quizá porque uno siempre se da el lujo de ver “Belle de tour” o “Belle toujours” cuando la tiene a su alcance) suelen hacer para demostrar que tienen con qué hacerlo: que están respaldados por una gran trayectoria que les otorga autoridad para la dedicatoria. Aunque no me parezca la forma adecuada, creo que como homenaje es bastante emotivo. Se jacta un poco de su propio ingenio (cada testimonio está hablado en idiomas diferentes, y quienes hablan son individuos de distintas nacionalidades, como para decir “el talento de Pina ha rozado los márgenes del mundo, y el mundo le devuelve todo el sacrificio con palabras amables, algunas casi poéticas”), pero aún así verla es una experiencia que enriquece el alma, porque visualmente es puro talento.

Estamos frente a un documental que desafía todas las leyes (sus personajes desafían a la naturaleza; su director, Wim Wenders, se atreve a hacer un documental atípico, siendo fiel sobretodo a la estética de Pina, una ilusionista), incluyendo una parte testimonial que, por magnífica que parezca, siempre corta la emoción que uno siente al ver, por ejemplo “Full Moon” (para mencionar uno de los momentos más sublimes de la obra). Son pequeñas decisiones del cineasta que afectan al conjunto. Porque uno, al verse interrumpido tantas veces en una misma pieza, no logra dejarse llevar. No creo que sea algo malo, simplemente algo que desde lo personal me aleja un poco de los objetivos de Wenders, entre los que indudablemente se encuentra lo sensorial: percibir en la piel esa mirada radical de la talentosa coreógrafa.

Alternando momentos conmovedores con otros más grotescos, “Pina” funciona bien como la reconstrucción de ese estilo barroco, que atrapa. Sabe plasmar muy bien la perspectiva artística de Pina, creo que en ese sentido, Wenders merece mis elogios. Pero el todo me resulta distante, nunca me siento involucrado (aún sintiendo interés por una de las artes más complejas) y mucho menos puedo palpar honestidad en el homenaje. No hay dudas que estamos ante una película muy bien filmada, bastante precisa y premeditada, pero quizá este perfeccionismo (y miren que es difícil crear un perfeccionismo barroco; casi contradictorio) sea el que la haga mucho más fría de lo que constantemente pretende ser.

Puntuación: 5/10 (Floja)

La dama de hierro.

2012-02-05T05:37:00.002-02:00

The iron lady.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

En este año plagado de buenas y grandes producciones, una de las que ha llamado más la atención, sin lugar a dudas ha sido “La dama de hierro”, más aún en tiempos donde, desafortunadamente, la relación entre Argentina y Gran Bretaña no está en su mejor etapa. He tratado de dejar de lado, por dos horas, el sentimiento patriótico para enfrentarme a esta película. Tras verla, creo que el trabajo de Phyllida Lloyd (quien ha dirigido previamente a Meryl Streep en el musical “Mamma Mia!”), es más que satisfactorio. No sólo porque ha sido estupenda la recreación de un personaje exquisito, con muchas capas, inacabable complejidad, y un sentido de la política bastante controversial, además de ser difícil de plasmar tanto por lo físico como por su carácter: sino porque, pese a que pueda verse eclipsada por la gran estrella que la protagoniza, utiliza todos los recursos, las metáforas, para transformar un telefilm chiquito en una gran película.

Es un biográfico distinto, mucho más arriesgado dado que su personaje aún vive, que se centra en las diferentes etapas de la vida de Margaret Thatcher, Primer Ministro Británico durante la década de 1980. Claramente cada una de estas etapas, o períodos, representa una postura distinta en la política y en la vida, influenciada por su ambición, por el éxito o fracaso de determinadas decisiones, o bien por aquellos que han sabido sostenerla al verla debilitarse. Y paradójicamente, el primer enfoque de la dama de hierro (e indudablemente el más interesante: su juventud se vuelve algo repetitiva y no coopera con la dinámica de la obra) es en un momento de impotencia, que está claramente relacionada con su enfermedad. Ella no sufre alucinaciones, ni tiene problemas psicológicos. Los fantasmas no son fantasmas. Thatcher sufre la peor enfermedad que puede sufrirse: la nostalgia. Ella se aferra con firmeza a su pasado, en sus tiempos dorados, sin reconocerse en el presente. Para ella, o está en plena actividad, o es un fantasma más como su esposo (un algo desaprovechado Jim Broadbent). Y las escenas que nos muestran a la líder del Partido Conservador en un estado crítico de nostalgia, son totalmente angustiantes. Lloyd, por fortuna, no se deja llevar por los vientos fáciles, es decir, por crear polémica a partir de hacerla extremadamente malvada o excesivamente buena. Por el contrario, trata de ser lo más objetiva posible: muestra todos los estados que la atraviesan como persona y como mujer (las decisiones correctas, las que no), sea una mujer de hierro o de masa para modelar. Eso sí, tiene el as que todos ansían poseer: una Meryl Streep capaz de llevar adelante todos los personajes que le tocan hacer, dándole un espíritu distinto, como tratándose de varias personas. Creando un conjunto altamente contradictorio, pero indiscutiblemente humano.

Visualmente sofisticada, como suelen serlo las producciones británicas políticas de época (véase: “La Reina”, “El Discurso del Rey”), “La dama de hierro” sigue esta corriente de trabajos que, alternando géneros, logran mostrar el carácter sensible, pero a su vez el combativo de emblemáticos personajes de la esfera sociopolítica inglesa. Todos ganadores de un Oscar porque, vale aclarar, son películas iluminadas por el talento de grandes artistas. Lo que hace Meryl Streep es milagroso, abriendo constantemente caminos que vinculan a sus personajes con el espectador, algunos repletos de rabia, otros de compasión. Va más allá de ser un drama que reivindica a Lloyd como una directora que se abre paso, como mujer, en el mundo del cine (así como Thatcher se ha abierto entre legisladores), le da pinceladas de humor (que no siempre dan en el clavo, y a veces la vuelven un poco ridícula), con una perspectiva histórica interesantísima que va de menor a mayor, y acaba con un final triste y desolador. “La dama de hierro” logra conseguir que el espectador se confunda, no sabe si amar u odiar. Yo me conformo con admirar a Streep, cuya sobresaliente personificación me ha conmovido, me ha amargado, me ha dejado estupefacto. Sin dudas, la actuación de su carrera.

Puntuación: 7/10 (Notable)

Anonymous

2012-02-04T01:17:00.002-02:00

Anonymous.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Roland Emmerich dirige su mejor trabajo hasta el momento, y no lo digo porque se encargue de representar una hipótesis histórica que no considera los escritos de William Shakespeare como suyos. Todos saben cuán lejos llega mi simpatía por el presunto escritor británico, pero lejos de cualquier corazonada, e intentando ser lo más objetivo posible, “Anonymous” es una gran película. Sobre el territorio inglés de hace medio milenio, filma las paredes de las fosas que se han cavado y que se intercomunican en la sombra, bien hondo, resguardando misterios, amores prohibidos, rencores. Todo aquello que hoy notamos enterrado, las personas, las relaciones entre ellas, son un misterio que esta producción intenta sacar a la luz. Pero sobre la superficie, prevalece la palabra, el mensaje. Pueden morir las personas, pero si han hablado con honestidad, seguramente sus escritos no mueran jamás.

“Anonymous” nos hace viajar en el tiempo, atravesando estaciones que marcan el retroceso de los años. Quizá en el primer tercio, puede volverse un poco fastidioso que se muestre algo breve y se retroceda, pero a la larga tiene sentido. Todo parte desde un prólogo excepcional, que tiene como objetivo envolver al espectador, cosa que finalmente hace (aunque dentro del túnel del tiempo pueda perderse entre tanto lío), y detrás de todas las decisiones tomadas hay varios mensajes. El mejor de todos, en mi opinión: no importa tanto el hombre que haya marcado el papel con su pluma, sino lo que haya conseguido con lo producido. Acá, que sea de Roland Emmerich no debe ser impedimento para verla, o razón para no creerla seria: la sensación que deja esta gran tragicomedia histórica es rara, pero positiva. Y por momentos, me atrevo a decir que está iluminada y parece bastante inteligente; en otros, bueno, toma las alternativas fáciles y se vuelve bastante bobalicona, pero igual de accesible.

Por otro lado, también muestra cómo los medios de comunicación (en aquel entonces el teatro) son canales mediante los cuales se reproducen discursos entre grupos de poder, entre fuerzas y resistencias, por lo que el escenario adquiere una importancia preponderante. Nominada al Oscar a mejor vestuario, es uno de los trabajos más aceptables, que intenta romper constantemente los arquetipos de las producciones de época, muy inteligente en la ambientación histórica. Sus fallas no son muchas: el elenco está totalmente desperdiciado (más, teniendo a Vanesa Redgrave), su duración es excesiva y, por ser que lo que quiere exhibir no es tan complejo como se muestra, pudo haberse simplificado. Llega un momento en el que uno está exhausto, pero siempre hay un as que da un buen remate. No es una cosa extraordinaria, pero es una oportunidad de ver las cosas desde otro ángulo.

Puntuación: 6/10 (Buena)

El gato con botas.

2012-02-03T02:59:00.002-02:00

Puss in boots.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

“Sueña en grande y te quedarás dormido”. Dirigida por Chris Miller, responsable de películas bastante malas como “Shrek tercero” y “Lluvia de hamburguesas”, “El gato con botas” lo lleva a un territorio desconocido: donde residen aquellos trabajos que no son malos. Tampoco diré que se ha ganado el cielo con su labor, pero sí que es un decente inicio a una posible saga que explique, finalmente, cómo es que este gato en el fondo bueno (hasta tiene algo de conciencia social) se ha vuelto un sicario. Dudo que se encuentre una respuesta interesante a esta cuestión, aunque viendo el inesperado trabajo que han hecho con Humpty Dumpty (que lanza, a mitad de la película, la frase que resume su destino), no me sorprende que sepan manipular de forma ingeniosa esa habilidad de innovar para crear una saga superior a la del ogro hediondo de la ciénaga y su insoportable amigo.

Este spin-off es una precuela que busca reconstruir la historia del legendario gato con botas, quien aparece para quedarse en la segunda entrega de Shrek, con la voz de Antonio Banderas. También utiliza un recurso interesante para extender el metraje, que es narrar en breve el pasado de los nuevos personajes, para generar un vínculo de mayor empatía entre ellos y el espectador. Cosa que no sucede, porque la pedantería, la exageración o la hipocresía siempre hacen temblar la cuerda sobre la que caminan durante cerca de 80 minutos. Tampoco es un guión con diálogos que te hagan mover la boca y burlar al destino con una sonrisa, por minúscula que sea. Simplemente es una historia más, con excelente trabajo de animación (creo que es de lo mejor que he visto de Dreamworks en los últimos años), pero bombardeada en todas las partes restantes que la constituyen.

Por otro lado, durante el primer tercio, este racconto que hace cada personaje no sólo alimenta la duración de esta producción animada, sino que le produce al espectador algo que se ve pocas veces durante la misma: interés. Cuando el pasado de estos individuos es tan interesante, queremos que el resto de la película se concentre en ese pasado. Después de todo, ¿qué nos puede interesar de dos gatos y un huevo en busca de habichuelas mágicas? Pero la misma película va encontrando los caminos adecuados, como un hombre que a ciegas conoce el rumbo a seguir, para envolvernos en su ilimitada odisea más allá de los cielos. Con mucho color, a mucha altura y mucho oro. Tiene sus fallas, pero igualmente como entretenimiento es necesaria. Una aventura simpática que podría tener más garra. Demasiado suave.

Puntuación: 5/10 (Floja)

Transformers: el lado oscuro de la luna

2012-02-02T03:17:00.001-02:00

Transformers: dark of the moon.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Insoportable bochinche. Al igual que con “La invención de Hugo Cabret”, me cuesta encontrar palabras que reflejen mis tan profundos sentimientos por esta película. La idea es, principalmente, que el lector conserve una vaga idea de lo que quiero decir. Quizá no llegue a ser preciso en los próximos párrafos, pero sí bastante honesto. No garantizo orden en mis opiniones, porque quiero ser tan caótico como “Transformers: el lado oscuro de la luna”, una película que, si una producción fuese un útero, debería fomentar el aborto. No sé si es el peor trabajo jamás hecho, pero sí uno de los más horribles que he visto. Aún aquellas parodias idiotas, que se reconocen malas, son conscientes de su calidad y juegan con eso. La segunda entrega de esta trilogía mal nacida, con Megan Fox y unas secuencias totalmente chocantes, sabe que es mala y le exprime jugo al mal gusto. El resultado, un trabajo divertido por lo malo, espontáneo, aunque absurdo e inaguantable. La tercera parte viene con todo, a reventar cualquier tipo de límite físico, a involucrar a la luna en su juego asqueroso. Con un discurso científico de fondo, con un par de datos históricos sacados de algún manual en Internet, se cree todo lo seria que en realidad no es. Y cada minuto de los 150 muestra cómo una taquillera cinta de ciencia ficción puede humillarse a sí misma. Queda tristemente en evidencia.

Parte de la culpa la tenemos quienes la vemos, algunos con mayor ingenuidad, otros para reírse del desastre. Pero algunos aún albergamos la posibilidad de que, en algún momento de la historia, la ambición la lleve a un terreno que la favorezca. Hay mucho presupuesto invertido, mucho nombre famoso en el equipo de producción, una historia que da para explotar la pantalla. Insisto, “El lado oscuro de la luna” no es el caso. Tristemente, ni su (falta de) humor, ni sus (nefastos) personajes, ni todo el ruido a acero oxidado e inservible que le ha garantizado unas cuantas nominaciones a los premios Oscar, la hace algo aceptable. No hay un aspecto de esta película por el que deba verse. Es un insulto a una saga prometedora (que jamás ha hecho una película superior a lo malo, pero siempre nos deja con esperanzas de algo mejor), un insulto a todos los fanáticos, un insulto a uno de los géneros más abierto en cuanto a posibles innovaciones, y más rico en detalles de la historia del cine. Yo acepto que la gente quiera ganar dinero a costa de derrumbar el entusiasmo de la gente, pero este caso roza la falta de respeto. No tiene nada de sentido en ningún momento. Las escenas de acción te llevan a otro mundo, que no tiene nada que ver con la película: te hacen pensar en tus obligaciones como ser humano de carne y hueso, en el mundo real, en el calentamiento global. Pero no involucra al espectador, ni lo invita a probar un bocado de semejante espanto. Hace agua por todos lados, no da respiro. Asfixia, en el peor de los sentidos. Y encima, contradice su propio mensaje: invita a que los hombres dejen su estado de mediocridad para ser alguien, a que dejen de ser mensajeros para ser héroes y que se arriesguen a salvar el mundo. A la producción: si quieren dejar de ser mensajeros y quieren volverse héroes, si quieren salvar el mundo real, les ruego que jamás hagan una película como “El lado oscuro de la luna”. Aunque el orgullo y la avaricia les impida escuchar las súplicas de quienes la hemos sufrido de verdad.

Puntuación: 1/10 (Pésima)

Jane Eyre

2012-02-01T04:11:00.001-02:00

Jane Eyre.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Alguno quizá recuerde, el día de mañana, esta adaptación de “Jane Eyre” como la responsable de darle el rol justo a una actriz como Mia Wasikowska, de quien por lo visto no puede esperarse otra cosa que lo que se ve en la película. Una muchacha no de lo más agradable, pero con una mirada que habla. Tras unos cuantos personajes mal interpretados, Jane Eyre puede considerarse su primera intervención decente al mundo de la actuación, la que posiblemente le abra las puertas como una actriz medianamente seria, de futuro altamente prometedor si es capaz de aprovechar su situación. Ella es una de las tantas fuentes de las que bebe una producción clásica a más no poder. El resto, tiene más que ver con el afán perfeccionista de Cary Fukunaga, quien basándose en la novela homónima de Charlotte Brontë, le da un (insuficiente) toque personal a un trabajo bastante decente. Va más allá de la excelente puesta en escena, es una película con cabeza y corazón en partes iguales.

La condena va siguiendo a estos personajes, pues cada uno de ellos tiene un destino marcado. Personas condenadas a la soledad, a la muerte, al rechazo. Y cada una de estas personas cuenta con algo que lo identifica, que bien puede ser una virtud o un defecto, y que los pone a prueba para ver cuán bien pueden manejar sus cualidades en torno a su futuro. ¿Serán capaces de amar para aplacar la soledad, de vivir para aplacar la muerte, de no ser egoístas para no ser rechazados? En este juego de emociones, cada actor busca darle matices adecuados a cada individuo de la ficción, haciéndolo capaz de cobrar vida en cualquier circunstancia de la realidad. Porque, pese a que nos separen casi dos siglos de esta historia, siguen siendo humanos parecidos a nosotros, a los que leen y a los que escriben la crítica.

Algunos duelos interpretativos entre Michael Fassbender y Mia Wasikowska demuestran el talento de ambos actores, así como la profundidad entre poética y realista de sus diálogos. Aunque el guión no llega a definir si estamos ante una tragedia clásica, ante una novela rosa o ante una película de época. Mezclando estilos como barajas, nunca define un camino, y da demasiadas vueltas para contar una historia mucho más sencilla de lo que parece. Se extiende en lujos y palabras, sintetizando en dos horas esta dramática historia de amor. Que es buena, y les da a los protagónicos la luz que merecen (no corren la misma suerte los secundarios, como la excelente Judi Dench). Volcar el talento y lo aprendido de memoria en un perfeccionismo plano y poco innovador (dirección artística, vestuario, son repetitivos) en lugar de incluir algo de imaginación (como puede verse, sí, en algún momento de la primera o la última media hora, las más destacadas del metraje tanto argumental como estéticamente) es lo que le impide a Cary Fukunaga consagrarse como una inquietante storyteller.

Puntuación: 6/10 (Buena)

A better life

2012-01-31T02:29:00.002-02:00

A better life.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

“A better life” se ubica en medio de dos películas bastante renombradas que les han dado a sus intérpretes algunos premios y menciones. Una de ellas es “En busca de la felicidad”, sobre un padre que hace todo lo que puede para mantener a su hijo lejos del hambre. Y la otra, “Biutiful”, que muestra con un realismo que hiere las pupilas la realidad de España y cómo colapsa de inmigrantes. Más o menos, esta obra menor dirigida por Chris Weitz (director de películas que no deben enorgullecer a nadie, como “La brújula dorada” o “Luna nueva”), lucha entre las dos posiciones; es decir, entre ser un discurso sincero, realista e interesante, o sumergirse en la mediocridad. Con ligera inclinación a lo segundo, esta producción intenta desenterrar en el estéril campo de las ideas algún tesoro que, por lo visto, no encuentra. Aún así, se aferra a las cosas buenas: a sus interpretaciones, a su equipo técnico y a la sensiblería que, al fin y al cabo, tanto le gusta al espectador.

Un trabajador y su hijo componen, frente a la mirada pictórica de la región, las dos perspectivas contrapuestas. Por un lado, un hombre con experiencias que le hacen, pese a todo, sentirse orgulloso del lugar donde ha crecido, del niño que ha criado, de la vida que ha sacado a flote. Y por el otro, un joven que reniega de su pasado, de sus orígenes, cuyas aspiraciones están centradas en el sueño americano universal. Quizá, este choque sea lo más interesante de una película bastante lenta, con muchos más adjetivos (que rozan lo redundante) que verbos, que enfatiza en la descripción monótona del lugar en lugar de darle acción a una trama fácil, que bien ha podido exhibirse con más soltura, más soberbia y una mejor ejecución dentro de la comedia. Hurgando en lo obvio, en lo previsible, en lo ya cientos de veces visto, consigue reducir la curiosidad del espectador a una sola pregunta: ¿final feliz o no?

Cabe destacar que esta película, pese a no tomar las mejores decisiones, es bastante accesible en sí. Sigue los pasos del “drama lacrimógeno tipo” al pie de la letra, e intenta ir más allá, sin resultados satisfactorios. Aún así, la excelente música de Alexandre Desplat y la fotografía de Javier Aguirresarobe le dan un ritmo audiovisual a una película anclada en la nada, donde el tedio gana a todo aquello que se presente avasallante. “A better life” sigue hallando resoluciones en sus propios métodos, cerrando el argumento (o abriéndolo) con un final necesario. Pero olvidable, como el resto de la película. Quizá no olvide ese gran trabajo de Desplat en la música, pero sobre el resto: para crudeza artística, me quedo con Iñarritu.

Puntuación: 4/10 (Regular)

Impresiones de los premios del sindicato de actores.

2012-01-30T14:46:00.003-02:00

La película "Historias Cruzadas", que narra la historia de la lucha de las mujeres negras por la igualdad social en la década del 60, ha triunfado en la entrega del gremio de actores con tres premios sobre cinco que han sido dados en las cinco categorías cinematográficas. Un triunfo notable y justo pues, aunque uno pueda o no estar de acuerdo con que son el mejor elenco (de hecho: yo no lo estoy), desde hace meses que viene destacándosele a esta pequeña gran película su gran elenco, además de las muy buenas interpretaciones de Viola Davis y Octavia Spencer.

Por otro lado, Christopher Plummer, junto a la mencionada Spencer, se afianzan al Oscar. Sin Brooks en la categoría de mejor actor secundario, podemos decir que el veterano tiene el premio mayor en sus manos. Octavia Spencer está a un paso, aunque las posibilidades de que "The Artist" arrase con todo son muchas, incluyendo el triunfo poco probable en la categoría de mejor actriz secundaria para la argentina Bérénice Bejo.

Pero no quedan dudas de que los rubros más peleados son los dos protagónicos: el triunfo de Jean Dujardin sobre los favoritos George Clooney y Brad Pitt, demuestra un poco que "The Artist" puede realmente arrasar; aún así, el no haber ganado (creo que ninguno, o muy pocos) premios en los Estados Unidos, frente a todos los que ha llevado Clooney a su casa, ubican al francés en la segunda posición (aún habiendo ganado ese premio que se dice "que coincide con el Oscar"). Aunque puede ser para cualquiera, George Clooney cuenta con muchas posibilidades de triunfar por su estupenda interpretación en "Los descendientes", donde personifica a un hombre que debe hacerse cargo de sus dos hijas, de su esposa al borde de la muerte tras un accidente, de una vasta porción de tierra orientada a la venta, en el contexto paradisíaco-infernal de Hawai.

Éso sí, si de "rubros reñidos" hablamos, no podemos dejar de lado el peor de todos. La Mejor Actriz, por primera vez en mucho tiempo, no está definido a estas alturas. De hecho, creo que todos sabíamos que Bullock, Portman y Winslet ganarían en sus respectivos años. Sin embargo, este año puede ser para cualquiera: ya sea para las ganadoras del Globo de Oro Meryl Streep, encarnando a Margaret Thatcher, o para Michelle Williams como Marilyn Monroe, o para la ganadora del SAG Award Viola Davis, encarnando a una empleada doméstica. En genenral, la Academia prefiere premiar a los actores que se transforman, de una manera u otra; y, ante la destrucción de la carrera de Williams por el Oscar el día de ayer, bien podemos decir que la favorita sigue siendo Meryl Streep. Aún así, pueden considerar el premio no otorgado a Davis por "La duda" una de esas deudas que acaban (mal) saldadas años más tarde.

Quién sabe.

La chica que soñaba con un fósforo y un bidón de gasolina.

2012-01-30T01:51:00.002-02:00

Flickan som lekte med elden.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Daniel Alfredson es el encargado de extender la historia de Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander, pero independizándola de su predecesora. Sí, es necesario tener una mínima idea de la historia, pero es totalmente diferente. Podemos llegar a decir que, dentro de la trilogía cinematográfica sueca, “La chica que soñaba con un fósforo y un bidón de gasolina” supone una ruptura, poniendo punto de partida a una nueva trama, con un nuevo estilo, que acabará por cerrarse con la tercera entrega (también dirigida por Alfredson). Pero aún tratándose de una mirada distinta, la película cuenta con algunas de las fallas de la primera. Principalmente, la dificultad para arrancar. Son dos horas para llegar a un destino al que, por culpa de un final abierto, no se llega; y encima, se invierte media hora para iniciar la odisea. Ahora bien, cuando arranca, acelera con todo y nos entrega otra apasionante red de traición y misterio en el contexto de una Suecia cuyos hombres siguen odiando a las mujeres.

Los dos protagonistas no tienen que demostrar su calidad, se han consagrado con “Los hombres que no amaban a las mujeres” y ahora, simplemente, son dos fichas en un peligroso tablero intentando demostrar, como personajes, que aún pueden resolver crímenes. La complementariedad de ambos los ha ayudado a encontrar las respuestas un año antes, pero ahora, a distancia, ignoran si serán capaces de sacar a la luz los secretos bajo el tráfico de personas. No estamos frente a una película que siga tan minuciosamente los pasos de la investigación, todo comienza a hacerlos partícipes de la misma, involucrándolos desde lo personal. Por lo tanto, se toma su tiempo para captar emociones más profundas, además de adentrarnos en el pasado de los investigadores con mayor ímpetu. Esa visión más personal, convierte a nuestra heroína Salander en una mujer mucho más humana, siempre tan bien retratada por la impecable Noomi Rapace. Y a Blomkvist, en un buen secundario.

La nueva entrega de “Millennium” deja de lado algo fundamental: el clima. Todo se hace menos absorbente, más light, y aunque mantiene alerta al espectador con mucho suspenso, el riesgo indefectiblemente se hace menor. Aunque la sangre, la fuerza sustituyendo en parte a la inteligencia y los intensísimos encuentros sirven para que la película siga latiendo. Después de todo, pese a su inclinación comercial, no deja de ser una gran historia. Una interminable red de personajes, un pasado que se acopla al presente, dos personajes observando la estela de un crimen, un fósforo cuya llama se agranda, gasolina que está a punto de hacer explotar todo.

Puntuación: 6/10 (Buena)

Chico y Rita

2012-01-29T00:07:00.002-02:00

Chico y Rita.

Trailer en su versión original.

Crítica.

Parece difícil concebir que una película española ambientada en Cuba esté nominada por la Academia de Estados Unidos como mejor animación, quitándole el lugar a la favorita “Las aventuras de Tintin”. Uno se cuestiona este tipo de rarezas, y llega a una conclusión cuando acaba de ver “Chico y Rita”, lo nuevo de Fernando Trueba: es una carta de amor a la isla en los años previos a la Revolución de 1959. Años durante los cuales, como muchos saben, Cuba era un tentáculo de los Estados Unidos. Por lo tanto, condenando sutilmente a la revolución, gana de manera “legal” terreno entre las “cinco películas animadas del año”.

Pero más allá de cuestiones políticas, que se ven a la perfección, es una gran historia de amor. Entre el pasado y el presente, este romance está marcado por el encuentro y el desencuentro, por los malentendidos, los rencores, el orgullo, la pasión y la música. Es una película que todos hemos visto alguna vez en nuestra vida, pero no nos resistimos a volver a verla. La música va marcando un ritmo sensual, recreando el pequeño universo isleño, su gente, su estilo desestructurado, encantador. Y entre la multitud, ojos que se ven por primera vez, y que inmediatamente se pertenecen. “Chico y Rita” se encarga de narrarnos las idas y venidas de esta pareja adulta, cuya conducta es tan tonta como suelen serlo en las típicas películas románticas, mientras pasa el tiempo. Condicionados por sus propios demonios, o los demonios externos que no pueden controlar, esta relación está condenada a la alternancia de experiencias, de reencuentros y de tristezas, sin un destino fijo, que les de algún tipo de seguridad. En cierto modo, el vínculo llega a sufrirse por momentos. Aunque el carisma de los personajes nos arrastra con más fuerza al campo de la comedia que de la tragedia. Principalmente cuando, en el amanecer de un siglo, alguien se pone a recordar los viejos tiempos. La fuerza que puede trasladarnos al dramatismo, se debilita drásticamente.

Compensar los resultados de lo viejo con la posibilidad de algo nuevo puede ser efectivo siempre y cuando, tanto lo viejo como lo nuevo, esté bien planteado. Esta película debe contar con un tono melancólico, sufriente, que no tiene. Cuando la voz del siglo XXI canta para atraer las memorias, no se percibe en la piel, en el alma del espectador, una gota de dolor; simplemente se ve. Todas las escenas de la Cuba moderna rellenan la cinta sin aportar nada más que un cierre narrativo, sin empujarnos a sentir algo. El resultado: una historia de amor común y corriente en la mitad del siglo XX, bien realizada, divertida, animada, candente, siempre que se conserve en aquellos tiempos. El resto, excesivamente benévolo para con el espectador, simplemente sobra.

Punutuación: 5/10 (Floja)

Margin call

2012-01-28T05:11:00.002-02:00

Margin Call.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

El Apocalipsis adquiere volumen en una oficina, no tiene forma de planeta luminoso y melancólico, ni de catástrofe natural. Simplemente se percibe como una brisa que amenaza, como una música que baja de repente, como una posible complicación. El director se encarga de darle el misterio que necesita para que “Margin Call” pueda funcionar, ubicándola al borde del abismo. Arriesgándose en la (re)creación de una revolución global a partir de las percepciones. Todas las pequeñas palabras, las cosas más superfluas (incluso un simple puente), sirven para dar una idea más o menos comprensible de la gravedad del asunto. Así como lo estético sirve para comprender a Charlotte Gainsbourg, acá son los diálogos los que, con analogías y metáforas, con anécdotas y temores, ayudan a sentir el vértigo.

J. C. Chandor transmite mucho con poco. Después de todo, propone un escenario no apto para claustrofóbicos, que asfixia más por lo que sugiere que por lo que realmente sucede. Es simplemente “lo previo al horror”, un reconocimiento de los errores pasados, una proyección jamás certera de lo que podrá pasar a futuro. Casi una decena de personajes con historias y posturas distintas, pero que no aportan nada para que la música aumente su volumen. Durante el proceso, nadie parece saber nada de nada. Nadie sabe qué paso dar. Un estancamiento que enerva, pero que sirve para poder representar el desconcierto que domina a estos individuos. Ante los datos que revela un hombre, que ha sido despedido producto de una reducción del personal agresiva, los integrantes de una firma (algunos jefes de otros, en una cadena interminable, jerarquizada, donde aún así un peón es el único que parece tener idea de cómo proceder) se reúnen durante toda una noche para repasar cuál puede ser el futuro cercano para la firma. Sin embargo, ignoran cuál será la repercusión mundial del desajuste numérico.

Es una buena película (pudiendo ser mejor con un poco más de humor), cuya ambientación en conjunto con la humanización de la economía (y vale aclarar que, aunque no esté del todo de acuerdo con la caracterización del hombre, creo que el guión logra traducir algunos conceptos al terreno de los seres humanos, haciéndonos capaces de comprender sin comprender), logra transcribir códigos, gráficos y patrones a una pantalla donde el objetivo es entretener. Con chicles de nicotina terapéutica y un canino moribundo, dos aspectos sin demasiada importancia, vamos entendiendo los efectos que trae aparejados la evolución de la historia. Estamos ante algo serio, dramático, grave, que nos interesa. No es enorme, pero es grande.

Puntuación: 7/10 (Notable)

Lejos del cielo.

2012-01-27T04:36:00.001-02:00

Far from heaven.

Trailer en su versión original.

Crítica.

Hay algo que me produce rechazo hacia esta película de Todd Haynes, no logro definir si se trata de un elemento específico o del impacto del conjunto. Sé que el notable trabajo de vestuario y la fotografía disfrazan una realidad que quiere agravarse constantemente, con música satánica, lágrimas sinceras y miradas dolidas, pero toda la puesta en escena resulta tan artificiosa como la historia en cuestión, que no es más que poner la cámara del otro lado de las minorías. Acá, en lugar de ver cómo la sociedad aplasta a las minorías, vemos cómo aplasta a las mayorías interviniendo en el terreno de las minorías. Con dos subtramas que suponen un punto de partida para narrar los conflictos sociales y raciales de los años 50 y 60, una se trata de manera superficial, con desinterés. La otra intenta exprimir todo lo que no tiene, buscando fluir por las cuencas más polémicas, más atrevidas, resultando muy insípida y mucho menos intensa de lo que presuntamente, desde un inicio, tiene para ofrecer.

“Lejos del cielo” narra la desintegración, que algunos llamarán “autodestrucción” de una familia americana “perfecta”. Son un matrimonio ejemplar, generoso, blanco y sociable. Organizan las mejores fiestas, tienen dinero, una casa bonita, decorada. Pero viven limitados por los ojos del barrio (representando, el cielo, el modo perfecto de vivir la vida, lejos del pecado o infierno –es decir, de cualquier tipo de ruptura con las normas preestablecidas), al mejor estilo “Sam Mendes”. Y dentro de la casa se esconden secretos (pasiones reprimidas que buscan una liberación a presión) que, para mantener la reputación del matrimonio, no deben saberse. Aunque siempre hay aves merodeando, atentas a cualquier encuentro, a cualquier frase, a cualquier marca, que hacen extensiva al vecindario cualquier información que, preferiblemente, debe ser tratada en privado. En ese sentido, el planteo es bueno, pero no la ejecución. Hay algo que la convierte, mediando entre la comedia teatral y el telefilme, en una película que busca añadir gravedad restándosela con su propia conducta. Las exageraciones y repeticiones van volviéndola insoportablemente superficial, apuntando sin cesar al carácter conservador de la sociedad. Sólo hace falta una anciana que se desmaye al ver que un blanco y un negro están a menos de cien metros de distancia.

Pero pese a que se vea poco sólida, tiene cosas buenas. Una ambientación casi mágica, delicada, paradisíaca, unas actuaciones memorables (definitivamente Julianne Moore y Dennos Quaid están fantásticos) y una música que trata de conducir al indomable trabajo. Nada logra cerrar las enormes grietas que abren su estilo narrativo, su tendencia discursiva hacia la resolución, su marcada mejoría en el tercio final, pero sí hacen lo posible por seguir adornando un producto consciente de sus fallas, de sus imperfecciones (después de todo, su tema principal son éstas) y haciéndolo medianamente agradable para el espectador. Nadie se va a negar a una película que retrate tan bien el otoño, ignorando lo mal que retrata otras cuestiones más allá de la superficie, en lo hondo de la madriguera.

Puntuación: 5/10 (Floja)

The guard

2012-01-26T05:23:00.002-02:00

The Guard.

Trailer en su versión original.

Crítica.

John Michael McDonagh nos acerca una película diferente, “The Guard”, que no merece ningún tipo de reconocimiento como obra maestra o como una excepción en el género. Desde lo personal, anhelo que sea reconocida por su punto más fuerte: la acción. Aún sin predominar en la obra, que constantemente quiere mezclar “Pulp Fiction” con “Un maldito policía en Nueva Orleáns” y “Escondidos en Brujas” (es decir, metiendo humor y chistes casi indiscriminadamente), es lo que más se destaca. Los últimos veinte minutos finales, que se alejan de la comedia para entregarnos un drama de acción, donde el ruido, la sangre y la melancolía nos caen como lluvia sobre nuestros ojos, están narrados a la perfección. Las escenas más escurridizas, que suelen ser ininteligibles, acá logran lucirse. De forma vertiginosa, quizá no tan arriesgada ni turbia, sino como una cachetada. Y sobre todas las cosas, recalcan el carácter ambiguo del antihéroe, bien encarnado por Brendan Gleeson, en un final que si tiene algo de éxito entre los cinéfilos, dará de qué hablar.

“The Guard” aspira a ser la comedia negra inolvidable, aunque se aleja bastante de sus objetivos. Cae en la trampa de sus propios errores, termina viéndose perjudicada por sus propios excesos. Chistes que, siendo algunos muy buenos, en general no aportan demasiado. Simplemente dibujan alguna sonrisa, pero son gesticulaciones a raíz del patetismo que la condición mental de los personajes genera. Estamos frente a un trabajo donde cada uno de los integrantes de esta historia parece estar bajo los efectos de droga. Como espectador, uno percibe que los delirios se tornan exageradamente irracionales, sin ser justificados por el consumo de ningún tipo de sustancia. En ese sentido, puede llegar a irritar bastante. Pero el resto es bastante bueno. La historia es un policial sencillo, mucho más simplificado para dar cabida, en 90 minutos, a los agujeros que han perforado el cuerpo y el alma de sus dos protagonistas, que representan las dos caras opuestas de la moral. Digamos que, de unir a Colin Farrell en “Escondidos en Brujas” y a Nicolas Cage de “Un maldito…”, podemos llegar a engendrar una dupla con algunas aproximaciones a la que componen Don Cheadle y Gleeson.

No se padece; por el contrario, se disfruta. Tiene todos los condimentos para atraer con pocos recursos, pero eficazmente manipulados. Con su trasfondo poético y su superficie más típica (efectivamente: donde más falla), “The Guard” bien puede quedar en la memoria del espectador por la magia de lo bueno, que eclipsa aquello que puede tener algunos desajustes. Al final, cuando los créditos finales ya han comenzado, nos queda esa sensación de haber asistido a la representación más fiel de ese dicho, que dice que “los locos siempre dicen la verdad”. Acá, no debemos dejarnos engañar por las apariencias. Después de todo, por increíble que parezca, todo cobra un sentido: entre satisfactorio y macabro.

Puntuación: 6/10 (Buena)

El secreto

2012-01-25T23:21:00.002-02:00

Io non ho paura.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Película italiana perdida en el pasado que nadie parece recordar, una bonita y conmovedora historia sobre cómo los niños pagan los errores de los adultos. Se me viene a la mente una película mucho más exitosa y reciente, pero no sé si tan buena, llamada “El niño con el pijama de rayas”. La británica trata de eso: nos muestra que los niños no comprenden el universo de los padres, que reaccionan desde su independencia y cometen errores, para acabar reflexionando que los niños son inocentes y que los adultos son los perversos que no entienden el universo de los niños. “Io non ho paura” refleja un poco eso.

Un niño juega sobre un campo de trigo enorme, y en una de las tantas tardes de juego se encuentra con un pozo en el que yace oculto un niño. Comienza a investigar y se va haciendo cercano a él, aunque duda de que sea real y, en el caso de serlo, ignora cuáles son los motivos que lo han encerrado en aquel lugar. Él niño oculto se cree muerto, pero nuestro héroe parece querer enseñarle que hay todo un mundo allá afuera, que por distintas razones el otro se niega a ver (cierra los párpados con fuerza: teme). Con el tiempo esta amistad crece, pero no las respuestas. Como espectadores, no tenemos las puertas abiertas a los misterios y razones que han llevado a que esta situación roce los límites; sin embargo, contemplamos el curso de los acontecimientos sin estar seguros de lo que veremos en la escena siguiente.

Es de reprochar un poco eso, que nos quiten el acceso a la verdad. Sin embargo, lo verdaderamente importante recae en el vínculo entre los dos niños, y más aún, entre el niño protagonista y su familia. Es difícil sacar un mensaje claro de esta trama contradictoria. Por momentos, vemos que las ideas de los niños son claramente distintas a las de los adultos; sin embargo, reconocemos que ciertas reacciones y actitudes, como la traición, la dominación, son propias de ambos mundos. Entonces, ¿realmente quiere mostrarnos que los mundos son incompatibles? ¿Cuál es la idea de “El secreto”? En un mundo donde todos, niños y adultos tienen miedo, la poesía hace lo suyo. Nos “acerca de lejos” a una historia cruda sobre venganzas y libertades, sobre amistades y oposiciones, sobre delitos y arrepentimientos. Un embrollo clásico anclado en un bello trigal que crece. Interesante.

Puntuación: 6/10 (Buena)

Nominaciones al Oscar: breve análisis de las sorpresas.

2012-01-24T19:23:00.004-02:00

Como dijo un colega, "las sorpresas van a aparecer el martes", refiriéndose claramente al día de hoy. Hace unas horas se develaron los nombres de las películas nominadas al Oscar en cada una de las 24 categorías. En UNA LOCURA DE PELÍCULA, un breve repaso de las sorpresas en las categorías principales, además del listado completo de los nominados al Oscar.

MEJOR PELÍCULA.

- El árbol de la vida [The tree of life]

- The Artist.

- Caballo de Guerra [War Horse]

- Los descendientes [The Descendants]

- Extremely loud and incredibly close.

- Historias Cruzadas [The Help]

- Hugo.

- El juego de la fortuna [Moneyball]

- Medianoche en París.

LA SORPRESA: la consideración de "El Árbol de la Vida" como una de las mejores películas ha sorprendido. No porque no lo sea, sino porque ha sido ignorada en algunos de los últimos premios más importantes, además de venir previéndose que la Academia la ignoraría de igual manera. Además, se ha sumado al quinteto de mejores directores, tema que se tocará luego. La gran sorpresa, quizá, sea el resurgimiento de "Extremely loud and incredibly close", que no sorprende tratándose de Stephen Daldry (quien ha dirigido trabajos siempre nominados, como "Billy Elliot", Las horas" y "El lector"), pero que sí por haber desaparecido del mapa el último mes. Meses atrás, se ha hablado de ella como una posible favorita. Hoy, con dos nominaciones, se convierte en la gran sorpresa.

QUEDARON AFUERA: películas bastante buenas, quizá no lo suficiente para llegar al porcentaje requerido, como "Secretos de Estado", "Damas en guerra" y "La chica del dragón tatuado", esta última convertida en una de las más nominadas.

VEREDICTO: el hecho de que sean 9 sugiere que no ha habido tanta concentración de primeros puestos en las favoritas, "The Artist", "Los descendientes" y "Hugo". Aún así, es muy probable que la ganadora salga de las mencionadas. Una buena nominación.

MEJOR DIRECCIÓN.

- Woody Allen - Medianoche en París.

- Michel Hazanavicius - The Artist.

- Terrence Malick - El árbol de la vida.

- Alexander Payne - Los descendientes.

- Martin Scorsese - Hugo.

LA SORPRESA: y no tan sorpresa, vale decir, ha sido nuevamente Terrence Malick. Se esperaba que su película estuviese presente en categorías técnicas, pero ha sido bien juzgada por su punto fuerte: la dirección. Siendo uno de los mejores trabajos del año, una gran sorpresa, podemos decir.

QUEDARON AFUERA: unos cuantos, había buenos directores disputándose el "quinto lugar". Estamos hablando de David Fincher (La chica del dragón tatuado), considerado por el gremio de directores; Steven Spielberg (Caballo de Guerra) y George Clooney (Secretos de Estado), tenido en cuenta por la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood.

VEREDICTO: estamos frente a un quinteto sobresaliente, cuatro grandes directores como Malick, Allen, Payne y Scorsese, a los que se le suma un Michel Hazanavicius cuya nominación ha ganado por ser su película la favorita, y no por hacer un memorable trabajo de dirección. Aún así, son nombres con trayectoria en el cine, y éso da gusto.

MEJOR ACTOR.

- Demián Bichir - A better life.

- George Clooney - Los descendientes.

- Jean Dujardin - The Artist.

- Gary Oldman - El topo.

- Brad Pitt - El juego de la fortuna.

LA SORPRESA: no la hubo, fueron cinco nominados que daban vueltas por la zona, cuyos trabajos merecían este reconocimiento (sin haber visto el de Bichir).

QUEDARON AFUERA: y quizá acá estén las "sorpresas", Michael Fassbender por "Shame", ganador en el Festival de Venecia. Su ausencia es inexplicable: el voto británico se ha decantado por Gary Oldman. Y luego Leonardo DiCaprio, cuya ausencia no sorprende tanto, por "J. Edgar".

VEREDICTO: buenos nominados.

MEJOR ACTRIZ.

- Glenn Close - Albert Nobbs.

- Viola Davis - Historias Cruzadas.

- Rooney Mara - La chica del dragón tatuado [The girl with the dragon tattoo]

- Meryl Streep - La dama de hierro [The iron lady]

- Michelle Williams - My week with Marilyn.

LA SORPRESA: la presencia de Glenn Close, cuya carrera se había desvanecido meses atrás, podría sorprender un poco. Aún así, fueron nominadas 5 actrices de 6 posibles.

QUEDARON AFUERA: además de las invisibles Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene) y las hermanas de Melancholia (Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg), la candidata al Oscar Tilda Swinton, por "We need to talk about Kevin".

VEREDICTO: la presencia de Rooney Mara en lugar de Tilda Swinton es criminal.

MEJOR ACTOR DE REPARTO.

- Kenneth Branagh - My week with Marilyn.

- Jonah Hill - El juego de la fortuna.

- Nick Nolte - Warrior.

- Christopher Plummer - Beginners.

- Max von Sydow - Extremely loud and incredibly close.

LA SORPRESA: indudablemente, la presencia de von Sydow en lugar de Albert Brooks, Viggo Mortensen y demás nombres involucrados. Claramente refuerza la débil presencia de la película en la categoría reina. Aunque meses atrás se ha hablado de él como candidato, así como de Bullock entre las actrices secundarias.

QUEDARON AFUERA: los mencionados, Albert Brooks por "Drive", Viggo Mortensen por "A dangerous method", Philip Seymour Hoffman por "Secretos de Estado".

VEREDICTO: buena nominación, que sin Brooks deja limpio el paso del veterano Plummer hacia la estatuilla dorada.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO.

- Bérénice Bejo - The Artist.

- Jessica Chastain - Historias Cruzadas.

- Melissa McCarthy - Damas en Guerra.

- Octavia Spencer - Historias Cruzadas.

- Janet McTeer - Albert Nobbs.

LA SORPRESA: ninguna, a excepción de una ausencia, ya que han quedado como en el rubro protagónico 5 de 6 candidatos posibles.

QUEDARON AFUERA: Shailene Woodley, de "Los Descendientes".

VEREDICTO: la presencia de McTeer en lugar de Woodley merece un adjetivo similar al de Mara sustituyendo a Swinton.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA.

- A cat in Paris.

- Chico y Rita.

- El gato con botas.

- Kung fu Panda 2.

- Rango.

LA SORPRESA: sin dudarlo, la presencia de dos películas europeas en un quinteto. No recuerdo un caso donde casi la mitad del rubro tenga tanta presencia europea.

QUEDARON AFUERA: muchísimas, ya que ha sido un año bastante animado. Desde la pésima "Cars 2" de Pixar, pasando por la simpática "Río", "Winnie the Pooh", "Operación Regalo". Ah, y "Las aventuras de Tintin", de Steven Spielberg.

¡Las Aventuras de Tintin! ¿Cómo es éso? Creo que tiene que ver con las dificultades que tuvo para calificar. No le encuentro otra explicación posible a que esté ausente la película animada favorita.

VEREDICTO: demasiado Dreamworks para mi gusto, aunque sólo vi "Rango" de las cinco.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.

- Por Bélgica, "Bullhead".

- Por Canadá, "Monsieur Lazhar"

- Por Irán, "A separation".

- Por Israel, "Footnote".

- Por Polonia, "In darkness".

LA SORPRESA: en mi opinión, ha sido la presencia de Israel y Canadá. Tenía el presentimiento de que ninguna de las dos no llegaría a quedar entre las cinco.

QUEDARON AFUERA: "Superclásico", por Dinamarca; "Omar killed me", por Marruecos. Y "Pina", la sobrevalorada cinta documental, en 3D.

VEREDICTO: por lo visto, un quinteto de alta categoría. Pero habrá que verlas. "A separation" es, igualmente, la ganadora.

LISTADO COMPLETO DE NOMINADOS:

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Woody Allen "Midnight in Paris"
J. C. Chandor "Margin Call"
Asghar Farhadi "A Separation"
Michael Hazanavicius "The Artist"
Kristen Wiig y Annie Mumulo "Bridesmaids"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
George Clooney y Grant Heslov "The Ides of March"
Nat Faxon, Alexander Payne, Jim Rash "The Descendants"
John Logan "Hugo"
Bridget O’Connor, Peter Straughan "Tinker, Tailor, Soldier, Spy"
Steven Zaillian y Aaron Sorkin "Moneyball"

MEJOR FOTOGRAFÍA
Jeff Cronenweth "The Girl with the Dragon Tattoo"
Emmanuel Lubezki "The Tree of Life"
Janusz Kaminski "War Horse"
Robert Richardson "Hugo"
Guillaume Schiffman "The Artist"

MEJOR BANDA SONORA
Ludovic Bource "The Artist"
Alberto Iglesias "Tinker, Tailor, Soldier, Spy"
Howard Shore "Hugo"
John Williams "The Adventures of Tintin"
John Williams "War horse"

MEJOR CANCIÓN
"Man or muppet" ("The muppets")
"Real in Rio" ("Rio")

MEJOR MONTAJE
Kirk Baxter y Angus Wall "The Girl with the Dragon Tattoo"
Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius "The Artist"
Thelma Schoomaker "Hugo"
Christopher Tellefsen "Moneyball"
Kevin Tent "The Descendants"

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Laurence Bennett y Robert Gould "The Artist"
Rick Carter y Lee Sandales "War Horse"
Stuart Craig y Stephanie McMillan "Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo "Hugo"
Anne Seibel y Hélène Dubreuil "Midnight in Paris"

MEJOR VESTUARIO
Mark Bridges "The Artist"
Lisy Christi "Anonymous"
Michael O'Connor "Jane Eyre"
Arianne Phillips "W.E."
Sandy Powell "Hugo"

MEJOR MAQUILLAJE
Martial Corneville, Lynn Johnston y Matthew W. Mungle "Albert Nobbs"
Mark Coullier y J. Roy Helland "The Iron Lady"
Nick Dudman, Amanda Knight y Lisa Tomblin "Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Tim Burke, David Vickery, Greg Butler y John Richardson "Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler y John Frazier "Transformers: Dark of the Moon"
Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning "Hugo"
Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White y Daniel Barrett "Rise of the Planet of the Apes"
Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor y Swen Gillberg "Real Steel"

MEJOR SONIDO
Ded Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco y Ed Novick "Moneyball"
Tom Fleischman y John Midgley "Hugo"
David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce y Bo Persson "The Girl with the Dragon Tattoo"
Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush y Peter J. Devlin "Transformers: Dark of the Moon"
Gary Rydstrom, Andy Nielson, Tom Johnson y Stuart Wilson "War Horse"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
Lon Bender y Victor Ray Ennis "Drive"
Richard Hymns y Gary Rydstrom "War horse"
Ren Klyce "The Girl with the Dragon Tattoo"
Philip Stockton y Eugene Gearty "Hugo"
Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl "Transformers: Dark of the moon"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"Hell and Back Again"
"If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front"
"Paradise Lost 3: Purgatory"
"Pina"
"Undefeated"

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
"Pentecost"
"Raju"
"The shore"
"Time freak"
"Tuba Atlantic"

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
"Dimanche/sunday"
"The fantastic flying books of Mrs. Morris Lesmore"
"La luna"
"A morning stroll"
"Wild life"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
"The barber of Birmingham: Foot soldier of the civil rights movement"
"God is the bigger Elvis"
"Incident in new Baghdad"
"Saving Face"
"The tsunami and the cherry blossom"

LISTA DE NOMINACIONES POR PELÍCULA

11 "Hugo" [10/10]
10 "The artist" [7/10]
6 "El juego de la fortuna" ("Moneyball") [7/10]
6 "Caballo de guerra" ("War horse") [7/10]
5 "Los descendientes" ("The descendants") [9/10]
5 "La chica del dragón tatuado" ("The girl with the dragon tattoo") [6/10]
4 "Historias cruzadas" ("The help") [6/10]
3 "Medianoche en París" ("Midnight in Paris") [7/10]
3 "El árbol de la vida" ("The tree of life") [8/10]
3 "El topo" ("Tinker, Tailor, Soldier, Spy") [6/10]
3 "Albert Nobbs" [6/10]
3 ""Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2" ("Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2") [7/10]
3 "Transformers: el lado oscuro de la luna" ("Transformers: Dark of the moon")
2 "Damas en guerra" ("Bridesmaids") [7/10]
2 "Extremely loud and incredibly close"
2 "La dama de hierro" ("The iron lady")
2 "My week with Marilyn"
2 "A separation" [8/10]
1 "Las aventuras de Tintin, el secreto del unicornio" ("The adventures of Tintin") [7/10]
1 "Anonymous"
1 "Beginners" [6/10]
1 "A better life"
1 "Drive" [9/10]
1 "Secretos de Estado" ("The ides of march") [7/10]
1 "Jane Eyre"
1 "Margin Call"
1 "The muppets"
1 "Pina" [5/10]
1 "El gato con botas" ("Puss in boots")
1 "Rango" [8/10]
1 "Gigantes de acero" ("Real steel")
1 "El planeta de los simios: (r)evolución" ("Rise of the planet of the apes") [7/10]
1 "W.E."
1 "Warrior" [6/10]

Alma de héroes

2012-01-23T05:30:00.002-02:00

Seabiscuit.

Trailer en su versión original.

Crítica.

Nominada y derrotada en la entrega de los premios Oscar hace cerca de 8 años, “Alma de héroes” es una película para no dejar pasar. Son varios motivos los que la convierten en imprescindible. En principio, porque como toda película sobre competencias, te pone un poco nervioso, te altera, te atrapa. Es casi imposible de evitarlo. Acá, las carreras, los caballos en movimiento, la presión que ejercen las circunstancias sobre la calma del espectador está muy bien lograda. En segundo lugar, porque nos muestra que contra todo pronóstico, una película convencional puede dejar de serlo. Bueno, en realidad esta oración tiene un poco de verdad y otro poco de mentira. No deja de ser convencional en ningún momento (es del estilo de Secretariat), a excepción de algún giro argumental insólito y positivo (en la carrera contra el Almirante), pero está construida sobre algo más fuerte que la pasión, el amor, la esperanza, y cómo éstas pueden lograr que un caballo lerdo triunfe en una carrera. Está construida sobre la sagrada historia de los Estados Unidos durante la primera mitad del siglo XX.

Este modo de narrar “Seabiscuit”, a través de imágenes y metáforas que evocan la miseria del pueblo durante los años posteriores a la crisis económica de 1929, o los nuevos descubrimientos de posguerra, o los años de recuperación durante la década de 1930, es magnífico. De hecho, el inicio está sutilmente conectado con el final de la historia. Nos encontramos con que no importa el modelo T de Ford, sino la creación de una cadena de montaje mucho más revolucionaria que un móvil, un caballo que gana o un jockey fuerte. Y cuando nos hemos enfrentado a esas extensísimas dos horas y cuarto de metraje, tras habernos enfurecido contra las injusticias, contra las historias sin cerrarse, contra la soberbia de algunos, reconocemos que pese a todo hemos sobrevivido con una sonrisa. Porque nos llena de satisfacción en el mejor de los sentidos.

La película está bien lograda, una fotografía exquisita nos abre las puertas de un trabajo que sabe sacarle jugo a las mejores frutas. La interpretación de Tobey Maguire, junto a la mencionada fotografía, son lo mejor de la película. No lo son Jeff Bridges o Chris Cooper, personajes tan chatos como la actuación en sí, sino el hombre arácnido. Quizá, porque sabe captar las emociones más genuinas del ser humano competitivo. La rabia cuando ve injusticias desde su caballo, sabiendo que una respuesta violenta le puede hacer perder la carrera. Son cosas que nos muestran al hombre desde adentro, sin dibujarnos al sujeto perfecto, sino al violento, al reaccionario. La dirección de Gary Ross, por su parte, es tramposa (cuando un hombre “domina” a su caballo, jamás los vemos a los dos en un mismo plano), lo que le resta un poco de credibilidad a una historia demasiado mágica de por sí, pero profunda si buscamos aquello que la hace especial, aquello que la hace imperdible.

Puntuación: 6/10 (Buena)

Los hombres que no amaban a las mujeres.

2012-01-22T04:41:00.001-02:00

Män som hatar kvinnor.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

La otra cara del éxito que ha cosechado Stieg Larsson después de morir. La versión sueca u original, la adaptación del primer libro de la trilogía “Millennium”, llamado “Los hombres que no amaban a las mujeres”. La historia muestra la relación complementaria de dos personas provenientes de universos distintos. Mikael Blomkvist, periodista enjuiciado por falso testimonio. Lisbeth Salander, hacker con problemas psicológicos y un pasado turbulento. Dos personas que se unen por las fuerzas humanas para resolver el caso de Harriet Vanger, muchacha de dieciséis años que ha sido asesinada en 1966 por una persona de la misma familia, un clan que quien contrata define como “lo peor de lo peor”. Uno, como espectador, no se resiste a querer resolver el misterio junto a sus personajes. Primero, porque en materia de thriller, es de lo más intrigante que se ha visto últimamente. Y segundo, porque los investigadores son personajes con los que uno desearía iniciarse en la profesión.

Gran parte del triunfo de esta película, dirigida por Niels Arden Oplev, se debe a la numerosa cantidad de miembros del clan, cada uno con mirada sospechosa y características que pueden, o no, volverlo rápidamente un candidato. Pero es más profunda de lo que parece, porque los motivos que justifican el crimen no tienen que ver con cuestiones meramente personales, sino que pueden abarcar lo sociocultural, lo religioso, lo político. Es increíble cómo algo ficticio puede reflejar algo tan verídico. Y ahí es donde la ambientación, el olor que despide el lugar es preponderante. Y es donde Oplev pone bien los peones, arriesgándose con una jugada deliciosa. Muestra, sin necesidad de recurrir a tanta falta de luz, una oscuridad que aterroriza y golpea, una oscuridad que brota de miradas violentas, vengativas, misóginas y despiadadas. Sólo es necesario esto, una o dos escenas justificando la situación, para convertir el hielo en frío, para convertir la sangre en peligro.

El ritmo de la película es incontrolable, detalla el proceso de investigación muy minuciosamente, convirtiéndose en lo más interesante de la función. La primera hora, que sirve como motor introductorio de Lisbeth (excepcional Noomi Rapace) y Mikael, es la más floja. No hay emoción ni refuerzos en los diálogos, simplemente una historia sobre cómo el pasado marca el presente de nuestros (anti)héroes, que no deja de servir para la narración en sí, pero que no la agilizan. Carece de recursos menos estructurados de lo que “Los hombres que no amaban a las mujeres” se propone, su perfeccionismo le quita la libertad de moverse a rumbos más divertidos, más caprichosos, y por qué no más miserables. De cualquier forma, basta admirar la fuerza del resto para reconocer el talento de un gran director y la imponente luz que irradia una buena idea.

Puntuación: 7/10 (Notable)

The Artist

2012-01-21T17:59:00.002-02:00

The Artist.

Trailer en su versión original.

Crítica.

“The Artist” nace en el vientre de una dicotomía más actual que nunca, aunque el blanco y negro puedan opacar el carácter contemporáneo de la idea. Se trata de la contraposición de dos conceptos que han dominado el universo, “lo viejo” y “lo nuevo”. Hoy en día, en el cine, esto puede verse desde el avance tecnológico y la amenaza que ha supuesto para el cineasta clásico, el enfoque antiguo, el viejo estilo. Las tres dimensiones, las explosiones de luz y color, los estallidos sonoros, han transformado la vieja manera de ver películas. Sentarse en una butaca y dejarse llevar por gestos, interpretar la historia desde su lectura. Algo muy divertido, pero también muy difícil para quien no tiene intenciones de pensar en un cine. Al igual que “El Ilusionista”, otra joyita del país galo, el avance de un concepto se da en detrimento del otro. Así como los viejos magos, los ilusionistas y ventrílocuos, quedan rápidamente olvidados por los actuales fanáticos del rock, acá, las caras del cine mudo parecen diluirse con el tiempo pasado.

Michel Hazanavicius se enfrenta a un desafío inmenso: como película de bajo presupuesto, francesa y contemporánea, nos entrega una historia de amor rica, universal (o bueno, americanista), muda (es discutible) y en blanco y negro. Y el resultado es buenísimo, porque es capaz de alinear todos estos recursos y convertirlos en algo grande, respondiendo con éxito a sus propias pretensiones de alimentar la creatividad del cine hurgando en los orígenes del mismo, en las raíces del séptimo arte. Contribuye abiertamente a la locura, al atrevimiento y al coraje que uno debe tener para asumir ciertas responsabilidades con el lector/espectador, y aún pudiendo ser mejor, es un logro notable. La historia, se enfoca en la transición del cine mudo al sonoro, y cómo los artistas del viejo modelo (o el artista principal) se ven removidos por la tormentosa tecnificación productiva. Y detrás de todo, el amor, para llenar los espacios vacíos con motivos que justifiquen la existencia del ser.

En pocos gestos resume sensaciones complejas, como las crisis existenciales, el orgullo malsano y el dolor e insatisfacción con uno mismo. Tiene un elenco capaz de transmitir lo que las palabras (nuevamente discutible) no dicen, principalmente la estrella de la película, que afortunadamente es argentina: Bérénice Bejó compone un personaje en degradé, capaz de trasladarse emocionalmente de un extremo a otro con envidiable soltura y fluidez, casi como patinando por el lienzo que la retrata como mujer. Jean Dujardin puede volverse bastante reiterativo a la hora de gesticular (tanto o más que el exhaustivo trabajo de composición musical hecho por Ludovic Bource), pero en el último tercio, tanto el actor como la música comienzan a pisar terrenos nuevos, desconocidos, probando que pueden existir más allá de los límites. Dujardin se convierte en un explorador de sí mismo; Bource, directamente, en un genio. Artísticamente impresionante, reta (y sin ser absolutamente osada: como he dicho en los paréntesis, es discutible, pero tengo la impresión de que para ser muda, tiene excesiva interacción a través de los intertítulos, aunque reconozco que son fundamentales para recrear la historia del cine en aquellos años) al espectador a viajar al pasado. Una máquina del tiempo que lo traslada al mundo de los guiños y las impresiones, de las metáforas e imágenes visuales, que lo traslada adonde ha nacido el arte que hoy se consume (por fortuna), quizá, creyendo que todo ha sido históricamente tridimensional e insufriblemente ruidoso.

Puntuación: 7/10 (Notable)

La chica del dragón tatuado.

2012-01-20T21:28:00.001-02:00

The girl with the dragon tattoo.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

David Fincher vuelve al ruedo demostrando (además de su talento “videoclipero” en los créditos iniciales) que Estados Unidos se ha convertido, quizá sin quererlo, en un gran “adaptador” de cine sueco. Lo que con “Criatura de la noche: vampiros” ha sido todo un desafío aprobado, ahora se vuelve un desafío peligroso. Este sujeto, director de películas como “Seven”, “El curioso caso de Benjamín Button” y “Red Social”, se reta a sí mismo en la adaptación de “Millenium I: los hombres que no amaban a las mujeres”, de Stieg Larsson. El resultado, un trabajo aceptable, considerando que los enredos de la novela no llevan consigo la pasión que intenta volcar el cineasta (y que vuelca, en varias ocasiones) en esta producción. Estéticamente absorbente, consigue trasladarnos al mundo perverso que rodea este misterio, pero no deja que nuestra mente se hospede en un hotel cercano. Con un final tan seco como el resto de las escenas de la película, nos vuelve al mundo real sin hacernos pensar demasiado en lo que hemos visto, sin dejarnos cuestionándonos cosas.

Y no es la primera vez que Fincher se queda a medias en su trabajo. Después de todo, es capaz de crear un universo distinto en cada película, con la soberbia que lo caracteriza en el mundo real y social, y de desmantelarlo rápidamente. No nos quedan secuelas de lo que hemos visto, simplemente viejas impresiones, algunas muy buenas, de algo que acabará siendo olvidable. Con el misterio de Harriet Vanger, la gélida ambientación y la estupenda fotografía, nos atrapa durante dos horas y media de momentos grandiosos, algunos exageradamente retorcidos y otros pobres y artificiales. Siendo bastante similar a “Zodíaco” (a la que considero su obra maestra), con escenas que nos hacen recordarla frecuentemente, se conserva como una misión atrevida de resultados confusos. Muchos la verán como un fallo, otros como un éxito absoluto. Yo prefiero considerarla un retrato fotográfico de marcos débiles pero con imágenes imponentes, un ejercicio que nunca contradice a su estilo pero sí a sus intenciones, una grandilocuente y no demasiado intensa adaptación de la misoginia y la discriminación por razas y religiones.

El entretenimiento está impregnado en su narración ágil, en su guión con tintes humorísticos excelentes y apropiados (que refuerzan la primera hora de película) y en el modo que profundiza en el personaje de Mikael Blomkvist, un periodista que intenta resolver un caso mientras resuelve su vida (pública y privada), quien acaba devorándose a Lisbeth Salander, devenida intrascendente e irrelevante conforme avanza el metraje. Daniel Craig es el alma de esta película, que ofrece una interpretación muy buena de un hombre de pocas expresiones; Rooney Mara no cumple con las exigencias de su personaje, que se ha convertido en la heroína literaria del siglo XXI, con una voz que no la hace andrógina, una piel que no la hace sensual, una mirada que no la convierte en exótica y una ineficacia a la hora de actuar que la hace ridícula. Fincher prefiere ubicarla a la sombra, en un segundo plano, no se esfuerza con ella: la hace un ícono de la violencia y no un personaje complejo e inteligente.

Puntuación: 6/10 (Buena)

“La chica del dragón tatuado” como adaptación de “Los hombres que no amaban a las mujeres”, de Niels Arden Oplev.

Ninguna de las dos películas es excelente, pero ambas intentan reflejar las letras de Stieg Larsson en dos películas que, más que competir mutuamente, se complementan para ofrecernos nuevas perspectivas y nuevas aristas de un cubo mágico, dándole el volumen necesario para convertir una pila de personajes y páginas en algo mucho más interesante.

Cada una tiene sus pros y sus contras, pero juntas acaban sugiriéndonos que el misterio es mucho más profundo de lo que parece. La versión primera, original, sueca, hace que el mundo gire alrededor del alma del libro: Lisbeth Salander. De pasado oscuro, que manifiesta en su apariencia en el presente, no ha sido originalmente pensada como la protagonista, pero sí como una “asistente”. El universo ha recibido a su personaje mucho mejor que al de Mikael, lo ha convertido en inolvidable. La versión americana hace hincapié en el personaje masculino, develándonos cosas que quien ha visto sólo la otra película desconoce, y apoyándose en él para adivinar qué hay detrás de todo esto.

Las variaciones son muchas, pero tres probablemente sean las destacables. Por un lado, lo ya mencionado, el protagonismo de uno o de otro, en un caso bien sostenido por Noomi Rapace, en el otro bien sostenido por Daniel Craig. Por otro lado, la ambientación. Claramente, Estados Unidos se ha esforzado por hacernos morir de frío en verano durante 150 minutos, cosa que logra. La escenografía es impecable, estéticamente brillante. Pero por más hielo y sangre que añadan, no se siente la injusticia, la corrupción de la sociedad. De ahí los marcos débiles: la imagen puede ser muy intensa (mucho más que en la versión sueca), pero los marcos no pueden sostenerla. La recreación espiritual del mundo es frágil (la versión de Oplev tiene una escena fundamental: Lisbeth siendo golpeada por hombres en una estación de subte), no nos asquea ni nos irrita, simplemente nos ventila. Y en tercer lugar, algo inesperado en la versión más reciente: el humor. Hay frases que consiguen dinamizar la primera hora de película, que es la más floja de la anterior versión, haciéndonos reír en algún momento. Las palabras están ordenadas con el fin de ironizar. Christopher Plummer resume la mayoría de estos deslices humorísticos, de los que seguramente hacen llorar de la risa a mi adoradísimo David Fincher.

Debo destacar, por otro lado, el final. Mucho más elaborado, más amalgamado, mucho mejor. Prueba, sin lugar a dudas, la incertidumbre de una película que, dependiendo de la recepción, puede convertirse en la primera de una saga.

Capitán América

2012-01-19T23:57:00.000-02:00

Captain America – The first avenger.

Crítica.

Aunque la escenografía sea atractiva y la trama sea prometedora, y que parte del éxito consista en venderse como “una película basada en un cómic totalmente distinta a otras”, me ha resultado muy difícil tomármela en serio. Dos horas de un encuentro con actores conocidos, algunos muy bueno, en una película ruidosa y sin nada que ofrecerme. No es que no tenga nada que sea memorable, que se recuerde a posteriori; no, el error está en que carece de cualquier cosa que pueda captar por un instante la atención del espectador. No discuto la destreza estética del Capitán América, que por momentos es bastante aceptable, sí discuto que no me atraiga en lo más mínimo. Un pozo en el campo que no me inspira curiosidad, no me anima a asomar la cabeza para intentar descifrar qué hay oculto en el fondo.

Chris Evans demuestra delante de cámara algo insólito: no tengo recuerdos de una sola película donde el intérprete sea tan torpe como su personaje. Un superhéroe que se construye a sí mismo durante el propio transcurso del film, que va convenciéndonos de que no tiene tornillos flojos ni madera áspera. No quiero decir “metal oxidado”, porque deberé convencerlos yo, ahora, de que cualquier similitud con “Iron Man” es pura coincidencia. Pero en síntesis, es el mismo nivel de entretenimiento. La fórmula consiste en hacer mucho ruido, romper pocas nueces y caer bien igual. Nueces rompe las suficientes, y en mi caso, no ha caído del todo bien; sin embargo, la recepción ha sido mejor de lo esperado. Tiene historia de amor, humor inmaduro y efectos sonoros insoportables: toda una experiencia para la pantalla grande, para la oscuridad y las gaseosas. Pero cuidado, porque “Capitán América” puede engañarte con una historia intrigante como la Segunda Guerra Mundial, volviéndola fantasiosa, pero en realidad no se trata de una rivalidad apasionante como la guerra, sino una rivalidad que te mantiene despierto como dos hormigas peleándose por un pedazo de hoja en el suelo.

Lo único que me hace tomarla seriamente es el producto de sus grandes aspiraciones, que están basadas en la vocación de la cinta. Consisten en terminar. Nos conduce lentamente a un final que ansiamos con tono de protesta, y que acaba convirtiéndose en lo mejor de la película. No porque el ambiente cambie radicalmente su estructura visual, sino porque cada palabra, cada frase, es un cachetazo, un aire distinto, aunque no necesariamente fresco. Es una idea inquietante la que sugiere, que puede abrirnos las puertas (Dios no lo quiera) a una secuela. Por el momento, nos abre las puertas para escaparnos de un infierno ensordecedor, bien montado, mal narrado, pero nos hace huir con una complicidad casi infantil que tenemos con el autor. Sí, porque nos reímos amistosamente de ese tono audaz con el que la cierra, y no nos vemos más las caras por un largo tiempo. Espero.

Puntuación: 4/10 (Regular)

¿Qué pasó ayer? - Parte 2

2012-01-18T17:26:00.000-02:00

The Hangover – Part 2.

Crítica.

La manada está de regreso, luego de que en 2009 nos deslumbrara con su hilarante comedia “¿Qué pasó ayer?”, que supuso un fenómeno de la comedia en el mundo, convirtiéndose en una de las películas más aclamadas de su año (ganadora de un Globo de Oro como mejor comedia o musical). La fórmula era muy buena, y parte de su gracia provenía de lo inédito, lo original, lo audaz. Inevitable no reírse en cada una de sus partes, quedó en el pasado como una gran película. 2011 nos trajo la secuela, “¿Qué pasó ayer? – Parte 2”, que en lugar de situarse en Las Vegas, se situaba en Tailandia. Los mismos cuatro sujetos, o mejor dicho tres (un cuarto siempre queda afuera de la fiesta, por motivos que desconozco), se embarcan en una aventura desconocida en tierras exóticas

Para celebrar la despedida de soltero de uno de ellos, se reúnen en las orillas del mar, alrededor de un fuego. Pero el alcohol los conduce a lugares que ellos mismos ignoran. Al despertar, viendo el caos que han originado y ante la ausencia del cuñado del novio, deciden no volver hasta que encuentren al hermano de la novia. Para hacerlo, deberán recordar poco a poco, deberán investigar en los lugares a los que creen haber ido, pero se verán envueltos en una telaraña de misterios que, como una trama policial, la misma va resolviendo con destreza. Pero esta secuela es un calco de la primera, el orden de las escenas es el mismo, el argumento es idéntico, los chistes son muy similares y la resolución es bastante parecida. Entonces, ¿cuál es el motivo por el que existe esta película? Ningún otro, además del afán de ganar mucho dinero con una apuesta conocida que, dos años atrás, ha sido exitosa. Sin otros motivos para mencionar, nos vemos atados a una comedia antes vista, con guiños que no nos resultan demasiado graciosos por no ser, como he mencionado antes, inéditos, originales, audaces. O bueno, quizá sí audaces (todo se multiplica hasta llegar a algo grotesco, exagerado, desesperado).

Aún así, como la historia es buena, es difícil aburrirse cuando constantemente está sucediendo algo. Los personajes son buenísimos, algunas situaciones también (tenemos la aparición de Paul Giamatti, que es muy buena), y el ritmo que lleva “¿Qué pasó ayer? – Parte 2” es super dinámico. Pero la película, que promete una nueva película, no parece explotar todo lo bueno, sino insistir con lo flojo. Así, modifica lo mejor de su predecesora: la conclusión. Acá, las piezas se reordenan en un rompecabezas mental de su nuevo protagonista a través de una maquinita de juegos electrónica, y ponen “play” a una conclusión típica de las peores películas del año. Los últimos 15 minutos dan asco, todo parece demasiado acelerado, inverosímil, estúpido. Como quien no sabe cómo domar la yegua y la tira de donde llega. Algo así sucede con esta idea potencialmente buena, que sin un buen jockey, pierde la carrera. Olvidable e innecesaria, aunque entretenida y delirante; no debe criticársela por estar orgullosa de su tendencia más transgresora, con más desnudos, más improperios, más chocante. Sí por mostrar debilidad en esa tendencia, por no poder estar a la altura de su premisa, o de su antecesora.

Puntuación: 4/10 (Regular)

The Descendants

2012-01-17T07:31:00.003-02:00

The Descendants.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

No hay muchos guionistas que sepan mezclar tan perfectamente el drama y la angustia con un humor que te hace soltar carcajadas. Es como los médicos veteranos cuando, al darles una inyección a los niños, hacen una mueca para que se rían y les duela menos. Pero es difícil conjugarlos tan bien porque, como suele pasar, el humor suele estar muy desencajado. Sí hay algún guionista con esas características: podemos mencionar algunos, como Jason Reitman, o Alexander Payne, cuyos mejores trabajos han sido, curiosamente, con George Clooney. Con el mejor elenco que ha reunido el año, tanto protagonistas magníficos como secundarios tremendos, esta comedia dramática duele y alegra en partes iguales. Ninguna película en mi corta vida me ha emocionado tanto como “The Descendants”, lo nuevo y bastante bien recibido por la crítica del director de “Entre Copas” y “Las confesiones del Sr. Schmidt”.

Como espectadores, presenciamos la catábasis de una familia que, por algún motivo de la naturaleza, ha recibido por herencia o descendencia una enorme cantidad de tierra camino a ser vendida. Desarrollada en Hawai (las camisas “hawaianas” son una pesadilla), nos muestra paradójicamente el paraíso infernal, o cómo donde la superficie parece ser tan vistosa, es en realidad un verdadero infierno. Ahí nos adentramos con esta familia, un hombre que no sabe qué hacer con sus dos hijas tras el accidente que ha sufrido su esposa, dos mujercitas que no saben qué camino seguir para crecer y vivir sus vidas. Pero esta catábasis no es violenta ni en seco, sino lenta y melancólica. Como “Todo sucede en Elizabethtown”, donde nuestro héroe se embarca en el descubrimiento de su identidad a través de la nostalgia, de desenterrar los misterios de sí mismo en el fondo de su pasado. Acá, vemos en el rostro de un George Clooney muy bueno (es la mejor actuación masculina del año, considerando las actuaciones que hemos visto) el dolor, el humor, el resentimiento y la confusión; también, en el rostro de una respetable Shailene Woodley (quien, déjenme decirles, ofrece la mejor actuación femenina que he visto en el año, probablemente gracias a las primeras escenas que interpreta en el film), las lágrimas fundiéndose con las aguas de una piscina, intentando palpar cuán hondo es aquel infierno cuya profundidad aún ignora.

Con destellos de originalidad inesperados (no es cualquier tragicomedia: es, sobre todas las cosas, bastante pícara) y una música que nos conduce al naufragio, “The Descendants” se convierte en una enorme reflexión de la vida y de las cosas verdaderamente importantes que ella nos ofrece. El punto fuerte es, sin lugar a dudas, un guión sin una sola grieta. Perfecto, digamos. Ahí se esconde el misterio, en mezclar tan ingeniosamente las emociones reales y el absurdo cotidiano (que no abunda, pero tampoco se lo esquiva), convirtiendo a una película sencilla en algo endiabladamente espiritual. Conteniendo algunas de las frases más divertidas del año, como “You were putting lipstick on a corpse” (algo así como: estuviste poniendole pintalabios un cadáver), que esconden detrás una desazón inconmensurable, y un reparto que hace lo suyo para hacerla especial (Amara Miller, que con extender un solo dedo, o dejar huir una sola lágrima, te compra como la “hija menor”; Nick Krause, Robert Forster y Judy Greer, que es la encargada de hacerte llorar antes de hacerte llorar de la risa), esta comedia dramática es inolvidable. Hace justicia a todos los premios que ha venido ganando con el correr de los meses. Sobre descensos, inestabilidades emocionales y equilibrio espiritual, sobre la culpa y el perdón, esta penetrante película no te deja indiferente (más, cuando en dos horas, una escena insuperable es superada por la escena siguiente, hasta llegar a una resolución tierna, conmovedora, espectacular), sino que te afecta. Una daga clavada con una sonrisa. No se me ocurre otra imagen para describir esta hipnótica experiencia.

Puntuación: 9/10 (Excelente)

El precio del mañana.

2012-01-16T06:16:00.002-02:00

In time.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

“El precio del mañana” nunca acaba de definir su lugar. A juzgar por el cabello de Amanda Seyfried, bien podría ser una fiesta de disfraces. O por su estilo, una película de ciencia ficción futurista. O por su contenido, una crítica contra la monopolización de recursos y servicios por parte del gobierno, algo así como “Rango”. O por la historia de sus personajes, un tonto romance de película ingenua y olvidable. Desde lo personal, no puedo inclinarme por una de estas cuatro opciones, aunque sí creo que la película puede ser un resultado cercano de combinar cada una de las hipótesis. Un trabajo que puede parecer complejo, pero que en síntesis, es mucho más simple de lo que parece.

La historia nos muestra un futuro no tan lejano de personas cuyo tiempo es dinero, literalmente. Viven veinticinco años asegurados, a partir de los cuales tienen “un año de tiempo”. Depende de su trabajo y de la fortuna que vayan haciendo extender su “año de vida”. Hay muchos que se han convertido en millonarios, es decir, inmortales; otros que han sido robados, o que han perdido su dinero, y mueren. Cuando un hombre desafía el sentido común diciendo que no quiere vivir todos los años que le restan de vida, se suicida, transfiriéndole su tiempo al personaje principal, Justin Timberlake. Pero cuando quienes controlen el tiempo comiencen a notar que alguien posee más tiempo del que le corresponde, comienzan a investigar. Mientras tanto, y muy al estilo “Fahrenheit 451”, Timberlake encontrará el amor en una mujer rica, hija de un hombre poderoso, y ambos comenzarán a rebelarse contra el sistema.

El inicio, al igual que el resto de la obra, es muy entretenido, aunque está plagado de chistes que, repetidamente, nos recuerdan que “el tiempo es dinero” hasta el hartazgo. Y de muchas cosas buenas que equilibran, de alguna manera, todas las malas. Personajes algo estereotipados representan ideales de una vida posible, oponiéndose a un presente donde la inflación está, los bancos están, el gobierno está y las relaciones entre ellos también. Que digamos, no dista demasiado de la realidad, a excepción de ese detalle del tiempo. Película que divierte, con las vueltas entre buenos y malos, con sus lecciones de economía y su romance Hollywoodense. Aunque no podemos culparla por cavarse un lugar en el mundo. Porque se esfuerza tremendamente por ganárselo.

Puntuación: 6/10 (Buena)

69ª entrega de los Globos de Oro.

2012-01-16T02:27:00.003-02:00

Hace muy pocos minutos se han entregado los Globos de Oro, que premian lo mejor del cine y la televisión. Con un Ricky Gervais al que, evidentemente, le han apretado los testículos hasta el silencio, medido y aburrido, esta entrega ha sido más apasionante que las más recientes. Seguramente ésto se deba, además de los disfraces que llevaron puestos Emma Stone, Mila Kunis, Lea Michele y Jessica Lange, a la competencia que se viene tejiendo desde hace meses, entre tres favoritas que se muerden los talones: "The Artist", "The Descendants" y "Hugo".

Con el placer de haber visto y reseñado la última, que considero la primera y única obra maestra de la década con la excelente dirección de Martin Scorsese, me defrauda no poder festejar el triunfo arrollador de las otras dos competidoras, que han triunfado en más de una categoría. "The Artist", película ambientada en los años 20 que muestra la transición del cine mudo al sonoro, ha sido considerada favorita, de cara a los Oscar, desde hace varias semanas. Pero la entrega de los Globos de Oro, pese a las "estadísticas" y al "azar", nos revelan una nueva favorita. Creíamos que lucharía contra "Hugo" por el segundo puesto, pero hoy ha asomado la cabeza con un impulso increíble, convirtiéndose en la gran candidata. Estamos hablando de "The Descendants", dirigida por el genial Alexander Payne.

Si uno analiza números, verá que "The Artist" se ha impuesto con tres premios (mejor película comedia/musical, mejor actor en comedia/musica y mejor musicalización), mientras que "The Descendants", protagonizada por George Clooney, sólo ha obtenido dos. Sin embargo, la derrota de la película muda en las categorías de guión y dirección, la dejan con menores probabilidades de recibir la gran estatuilla dorada.

¿Por qué, si "The Descendants" también las ha perdido? Muy sencillo. "The Artist", al igual que "Medianoche en París", (seguramente) competirán en los Oscar por el título de Mejor Guión Original. Los Globos de Oro anuncian que la opción de Allen es superior. Mientras tanto, "The Descendants" (hoy derrotada por Woody Allen) jugará en otras ligas, compitiendo con otros grandes trabajos que, presuponemos con una certeza casi irrevocable, estarán nominadas (El juego de la fortuna, Hugo).

Y el trabajo en dirección, que podría otorgarle otro premio a Martin Scorsese (o, a lo sumo, a Payne), dejaría a "El Artista" con algunos Oscar sin demasiada importancia (¿vestuario? ¿música?), casi en blanco. Y "The Descendants", cuyo guionista y director es, repito, Alexander Payne (¡todo un personaje!), va buscando un camino para llegar adonde todos desean. La opción oculta (o no tanto), que parece ganarle por una cabeza a la que suponíamos favorita.

Por otra parte, otros dirán (y seguro, con mucha razón) que estos premios no significan nada. Uno trata de darles un sentido, de llamarlos "detonantes", cuando muy posiblemente no signifiquen nada realmente. Pero las cosas, en este momento, están así. "The Descendants" y "The Artist", dos películas aclamadas por la crítica, son los dos trabajos más premiados del año. "Hugo", al igual que "Medianoche en París", "El juego de la fortuna", ya se han quedado atrás.

Para amantes de "Hugo" como es mi caso, sólo nos queda una pequeña ilusión. La de ese viejo dicho que nos dice a gritos "no te preocupes, que casi nunca gana un Oscar la que se ha alzado con el Globo de Oro". Tenemos nuestra esperanza.

A continuación, los ganadores de la noche.

MEJOR PELÍCULA [DRAMA] - The Descendants.

MEJOR ACTOR [DRAMA] - George Clooney (The Descendants)

MEJOR ACTRIZ [DRAMA] - Meryl Streep (The iron lady)

MEJOR PELÍCULA [COMEDIA/MUSICAL] - The Artist.

MEJOR ACTOR [COMEDIA/MUSICAL] - Jean Dujardin (The Artist)

MEJOR ACTRIZ [COMEDIA/MUSICAL] - Michelle Williams (My week with Marilyn)

MEJOR DIRECCIÓN - Martin Scorsese (Hugo)

MEJOR GUIÓN - Woody Allen (Medianoche en París - Midnight in Paris)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO - Christopher Plummer (Beginners)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA - Octavia Spencer (Historias Cruzadas - The Help)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA - Las aventuras de Tintin (The adventures of Tintin)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA - A Separation [Irán]

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL - Ludovic Bource (The Artist)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL - "Masterpiece" (W.E.)

Ha sido una noche con sorpresas en los lugares donde UNA LOCURA DE PELÍCULA no ha previsto. No precisamente en la comedia o el musical (donde se esperaba la derrota de Dujardin o Williams), sino en el drama o la música. Los dos premios más sorprendentes fueron el de Madonna, por su canción "Masterpiece" en la película "W.E." (que consideré demasiado "pop" para una película de época, pero aún así muy simpática), y el de Meryl Streep por su personificación de Margaret Thatcher, aunque no-tan-sorprendente como el anterior.

Los rubros que generaban dudas (guión, actriz de reparto) han salido para el lado más esperado: Woody Allen y Octavia Spencer, equilibrando un poco la entrega y recordando que "Historias Cruzadas" y "Medianoche en París" aún siguen latiendo.

"Tintin" e Irán logran triunfos en sus respectivas categorías. El Oscar para la primera acabaría transformándose en un mimo a un director que no tendrá satisfacciones con "Caballo de Guerra". "A separation", la opción iraní para competir en los Oscar, se ha llevado casi todo (menos el rebelde Satellite, claro), y se ubica más cerca del triunfo. Por otro lado, los triunfos de Williams y Dujardin pueden facilitarles el acceso a una nominación al Oscar, que en otras circunstancias habría sonado un delirio.

Éstos son los resultados, esta es la conclusión del día (más que subjetiva y discutible) Esperaremos a ver qué pasará cuando sean entregados los premios de los gremios de productores, directores y actores. Por el momento, ésto es todo.

Predicciones para la 69ª entrega de los Globos de Oro (Cine)

2012-01-15T18:46:00.009-02:00

Gente, a continuación les dejo el listado de mis favoritos y mis predicciones para la fiesta y premiación de hoy por la noche, la sexagésima novena entrega de los premios Globos de Oro. Algunas aclaraciones, para que entiendan. En ROJO, están las películas que pude ver. El ORDEN en el que están ubicadas por cada rubro define mi favoritismo (es decir, siempre la primera va a ser mi favorita, y la Última roja será la que menos me gustó). Finalmente, en MAYÚSCULAS y NEGRITA tendremos la predicción.

MEJOR PELÍCULA DRAMA.

HUGO.

Secretos del Estado (The ides of March)

El juego de la fortuna (Moneyball)

Caballo de guerra (War horse)

Historias cruzadas (The help)

The Descendants.

MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL.

Medianoche en París (Midnight in Paris)

Damas en guerra (Bridesmaids)

50/50

THE ARTIST

My week with Marilyn.

MEJOR ANIMACIÓN.

RANGO.

Las aventuras de Tintin: el secreto del unicornio (The adventures of Tintin)

Operación regalo (Arthur Christmas)

Cars 2

El gato con botas.

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA.

La piel que habito [España]

A SEPARATION [Irán]

Le gamin au vélo [Bélgica]

FLOWERS OF WAR [China]

In the land of blood and honey [Estados Unidos]

MEJOR DIRECCIÓN.

MARTIN SCORSESE - HUGO

Woody Allen – Medianoche en Paris (Midnight in Paris)

George Clooney – Secretos del Estado (The ides of March)

Michel Hazanavicius. – The Artist.

Alexander Payne – The Descendants.

MEJOR GUIÓN.

WOODY ALLEN - MEDIANOCHE EN PARÍS

George Clooney, Grant Heslov - Secretos del Estado (The ides of March)

Aaron Sorkin, Steven Zaillian - El juego de la fortuna (Moneyball)

Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash - The Descendants

Michel Hazanavicius - The Artist.

MEJOR ACTOR DRAMÁTICO.

BRAD PITT – EL JUEGO DE LA FORTUNA (MONEYBALL)

Ryan Gosling – Secretos del Estado (The ides of March)

Leonardo DiCaprio – J. Edgar.

George Clooney – The Descendants.

Michael Fassbender – Shame.

MEJOR ACTOR EN COMEDIA o MUSICAL.

Joseph Gordon-Levitt – 50/50

Ryan Gosling – Loco y estúpido amor (Crazy stupid love)

Owen Wilson – Medianoche en París (Midnight in Paris)

JEAN DUJARDIN – THE ARTIST

Brendan Gleeson – The Guard

MEJOR ACTOR SECUNDARIO.

Albert Brooks – Drive.

CHRISTOPHER PLUMMER – BEGINNERS.

Viggo Mortensen – A dangerous method.

Jonah Hill – El juego de la fortuna (Moneyball)

Kenneth Branagh – My week with Marilyn.

MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA.

Tilda Swinton – We need to talk about Kevin.

Glenn Close – Albert Nobbs.

VIOLA DAVIS – HISTORIAS CRUZADAS (THE HELP)

Meryl Streep – The iron lady.

Rooney Mara – La chica del dragon tatuado (The girl with the dragon tattoo)

MEJOR ACTRIZ EN COMEDIA o MUSICAL.

Kate Winslet – Carnage.

Jodie Foster – Carnage.

KRISTEN WIIG – DAMAS EN GUERRA (BRIDESMAIDS)

Michelle Williams – My week with Marilyn.

Charlize Theron – Young Adult.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO.

Jessica Chastain – Historias Cruzadas (The help)

OCTAVIA SPENCER – HISTORIAS CRUZADAS (THE HELP)

Janet McTeer – Albert Nobbs.

Bérénice Bejo – The Artist.

Shailene Woodley – The Descendants.

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL.

Howard Shore – Hugo.

John Williams – Caballo de guerra (War horse)

LUDOVIC BOURCE – THE ARTIST.

Trent Reznor/Atticus Ross – La chica del dragón tatuado (The girl with the dragon tattoo)

Abel Korzeniowski – W.E.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL.

“LAY YOUR HEAD DOWN” – ALBERT NOBBS.

“The living proof” – Historias Cruzadas (The help)

“Masterpiece” – W.E.

“The keeper” – Machine Gun Preacher.

“Hello hello” – Gnomeo y Julieta (Gnomeo & Juliet)

Escuchar "Lay your head down" haciendo click en el título.

Tinker, tailor, soldier, spy

2012-01-15T03:07:00.002-02:00

Tinker, tailor, soldier, spy.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Tomas Alfredson demuestra que su impecable trabajo en “Criatura de la noche: vampiros” no ha sido accidental. Al contrario, demuestra un talento gigante a la hora de plasmar una historia oscura en la pantalla grande. Aunque a esa oscuridad, que funciona en ambas tan bien, le da distintos usos. “Tinker, Tailor, Soldier, Spy” es una gran película, por su capacidad bien sostenida de crear una atmósfera tramposa y perturbadora, que saca lo mejor de sí en unos cuarenta primeros minutos que merecen el respeto de cualquiera. Sus aires de grandeza la impulsan con toda fuerza a querer imitar el extraordinario trabajo de Florian Henckel von Donnersmarck; sin éxito en su ambiciosa misión, acaba ubicándose en un nivel compartido con películas como “El escritor oculto” de Polanski, “Los Infiltrados” de Scorsese, “Intriga en Berlín” de Soderbergh y “El buen pastor” de DeNiro, lo cual es más que bueno. Es lo que todo director poco conocido anhela con todas sus fuerzas.

El vaivén narrativo juega, como suele suceder en este tipo de películas, una mala pasada. Y el ritmo narrativo decae tantas veces como logra elevarse solo. Tras aquel revelador primer tramo, que aunque cuestione más que responder es revelador en el sentido que muestra sutilmente la naturaleza de todas las figuritas de este gran álbum, comienza la noche. Historias entrecruzadas cuyo objetivo es más “confundir” que “defender” la película en sí, acaban extendiendo innecesariamente la película, embrollándola y perjudicándola hasta cierto punto. Pero uno siempre recordará ese inicio, fuerte, salvaje, abrupto; esa estética impecable, grisácea; esa paranoia inducida por el director, que logra hacer más terrorífico el ambiente; esa música espectacular de Alberto Iglesias. En ese primer tramo se ve reflejada la esencia de una gran película, de grandes personajes, de un loable John Hurt, que en pocos minutos y pocas escenas entrega su mejor performance en los últimos treinta años, sino la mejor de toda su carrera. Compone uno de los personajes más exquisitos del año. John Hurt es tierra fértil, es buena cosecha y es un gran fruto. Lo que hace acá inquieta en la ficción, y extracinematográficamente conmueve.

Los diálogos van llevando ese segundo tramo a una rígida resolución, tajante como lo es el ritmo de la película, pero no a su nivel. No digo que la escena al son de “La Mer” no sea fabulosa, porque lo es; simplemente que todo lo demás, todas las escenas que finalmente destapan esas ollas a presión, que responden interrogantes viejos, carecen de fuerza. El final, ese plano final (que es tremendo) podría haber sido digno de ovación, y acaba por merecer no más que una sonrisa mínima de satisfacción, que muchos podrán confundir con la inmensa alegría de que haya acabado. Pero el producto en sí es bueno, y puede ser aún mejor si se lo mira con audacia. Porque después de todo, la realidad de esta película, es que no es más que una comedia de espionaje: va más allá del vacío existencial de un personaje llamado George Smiley (que recuerda a Wiesler, por supuesto), tiene más que ver con su apellido (smiley, sonriente) que con otra cosa. Porque en lo más minucioso radica la magia negra de esta intrigante historia, en las reiteraciones de Toby Jones sobre una posible conexión con los Estados Unidos (que son más y más divertidas). Por increíble que parezca, cuando en todos los casos suele ser al revés, “Tinker, tailor, soldier, spy” no es lo profunda que cree ser. Es buena, siempre y cuando se esté atento a todo lo que está a la luz, y no en la sombra.

Puntuación: 6/10 (Buena)

Secretos del Estado.

2012-01-14T03:55:00.001-02:00

The ides of March.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Si existe este año una película capaz de crecer sin cesar, lleva de nombre “Secretos del Estado”. Lo nuevo de un sujeto “desconocido” que se ha consagrado, con el tiempo, como uno de los grandes cineastas: George Clooney. Tras haber tenido alguna baja con “Leatherheads”, nos acerca al universo de la política, en una trama de enredos, malentendidos, experiencias, traiciones y mentiras, condensadas en un trabajo magnífico que estudia los verdaderos motores que impulsan el funcionamiento de la política de hoy. No es descabellado hacer un paralelismo con ella y “El Estudiante”, de Santiago Mitre, pues ambas reflejan el alma de la política y sus fenómenos internos, ocultos, secretos. Aunque a diferencia de la película argentina, “Secretos del Estado” puede pecar al ser demasiado localista, quizá impidiendo que la obra en su totalidad no pueda ser trasladada a la realidad de otros países.

Con un manejo impecable de personajes y situaciones, un ritmo que oscila entre el humor y la tragedia (aunque todo demasiado liviano: no es ni excesivamente graciosa ni trágica, todo en un término medio, poco sentimental), este trabajo no deja escapar al espectador atento. Los diálogos son disparados como dardos a ciegas, pero curiosamente dan en el blanco. Encaminados por un George Clooney cada vez mejor tanto frente como detrás de las cámaras, convierten a esta gran obra en una oferta imposible de rechazar. Un drama sugerente, atractivo, donde todo lo que no muestra traza diversas lecturas que, en algunas ocasiones, pueden sonar mucho más terribles que lo que puede verse en la película. Un caso es el final, donde una simple frase (la última que pronuncia Clooney), nos recrea todo un mundo donde, por lo visto, dependemos de ciertas cosas… Y eso, en sí, no es algo que nos tranquilice demasiado. Por el contrario, nos afecta.

Y el resto, todo lo que no es ni sugerido, ni perfecto, es una notable y realista interpretación de lo que vemos a través de los medios de comunicación. Frivolidad en las relaciones de poder, “panqueques” y escándalos, medido con dos interpretaciones estupendas. Por un lado, y sin contar las dos mejores de la película: los papeles que interpretan Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman, la de George Clooney, que se pone en la piel de un sujeto que representa todo lo contrario a sus ideas como autor; por el otro, el actor del momento Ryan Gosling, como el héroe (el Esteban Lamothe: inexperto, que se “inicia” en el verdadero universo, que madura, que aprende y que, casi en un plano final idéntico y frío, rinde lección) que extiende la ideología del autor. Gosling es Clooney, de alguna forma. Un ser que lee libros, que aprende, y que demuestra lo aprendido. Sin decaer en ningún momento, y con un manejo bastante bueno de la cámara, esta obra clásica será recordada por lo que no muestra, y será (presumo) premiada por lo que muestra, que es extremadamente bueno.

Puntuación: 7/10 (Notable)

Caballo de guerra.

2012-01-13T04:36:00.003-02:00

War horse.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

“Caballo de Guerra” es un espectáculo imponente, imprescindible para esta sorprendente temporada de premios. Un director como Steven Spielberg nos acerca a una experiencia fascinante situada durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), mucho más sentimental de lo que puede parecer con tanto bombardeo y tanta violencia desatada e injustificable. La trama no es compleja, un hombre obtiene un caballo producto de una subasta, pero se encuentra con que su situación económica no es del todo buena. El hijo del patriarca se compromete a entrenar al caballo, contribuyendo así a agilizar la economía de la familia, pero la llegada de la Gran Guerra a Inglaterra hace tomar al patriarca una decisión terminante: vender el caballo ya entrenado para servir a una guerra absurda y salvar su hogar. Tras la ruptura de una estrecha relación como la del joven y su caballo Joey, la película sigue la odisea de ambos en aquellos cuatro años de guerra y los caminos que ha recorrido cada uno para crecer.

Vale destacar que no es una simple película sobre caballos, como una nominada al Oscar de la que hablaré pronto, sino una admirable producción sobre caballos, sobre la guerra y sobre las relaciones humanas. Y sobre las relaciones no-humanas. Técnicamente irreprochable, por su puesta en escena, su impecable ambientación y su música (que es muy buena, aunque por momentos parece de otra película: más medieval, quizá), tiene muy pocas fallas y están más bien asociadas al modo de contar la historia. Dos aspectos que me parecen “fallidos”, con comillas incluidas. Por un lado, un segundo tramo bastante enredado, que desafía el interés del espectador y se ve derrotado. Tras un inicio entre encantador, con su giro dramático previsible y correspondiente, nos embarcamos en una serie de aventuras que se tornan irrelevantes. No, por supuesto, la del abuelo y su nieta, que es hermosa. Sí, quizá, la de los dos hermanos, que no tiene la mejor resolución. Y estiran una película que podría haber sido mucho más interesante y concisa. Eso sí, el último tramo es digno de una obra maestra, una exploración de sensaciones muy profundas, que muy probablemente arranquen lágrimas a montones. También explora el absurdo de la guerra con unas escenas apoteósicas, algunas que recordarán a la genial “Noche de paz”.

Y el segundo problema, que en mi opinión es más grave que el primero (de última: que haya una parte que nos resulte aburrida, pero que luego levante vuelo, no está nada mal), es la cuestión humorística. Hay un esfuerzo titánico por convertir el espantoso drama de la película en una tragicomedia, con ápices de humor traído de los pelos, que causan cierta irritabilidad en el espectador. Es humor que da forma a la primera parte, más que decente, convirtiéndola en algo mucho más artificial de lo que natural y paradójicamente es. De cualquier manera, la película en sí hará disfrutar a todos. Un magnífico entretenimiento bien dirigido, bien estructurado y muy bien actuado (Emily Watson se lleva todos los méritos), cuya postura frente al mundo, frente a la crudeza de la Gran Guerra y frente al cine en general, reclama un lugar entre los nominados al Oscar. Que seguramente gane (el lugar) y con justicia, es una gran película en todo sentido, de esas que son monumentales, emocionantes e inolvidables.

Puntuación: 7/10 (Notable)

Premiación de la selección oficial del PROYECTO SOBRESALIENTE.

2012-01-12T21:29:00.006-02:00

Continuando con el PROYECTO SOBRESALIENTE, que reúne a un centenar de enormes películas de la década pasada, hoy toca premiar a las que componen la selección oficial. Son casi treinta, y pugnan por ser las mejores en las categorías principales.

Para quienes no estén enterados de este proyecto, les dejo el enlace de la presentación.

A continuación, los premiados (*) en sus respectivas categorías y las menciones especiales en cada caso.

Premio a la mejor película de la década.

Ganador:

· LA VIDA DE LOS OTROS, de Florian Henckel von Donnersmarck.

Menciones:

· LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS, de Zhang Yimou.

· LA CINTA BLANCA, de Michael Haneke.

Premio del público.

Ganador:

· EL LABERINTO DEL FAUNO, de Guillermo del Toro.

Menciones:

· LA VIDA DE LOS OTROS, de Florian Henckel von Donnersmarck.

· REQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky.

· BABEL, de Alejandro Gonzalez Iñarritu.

Premio a la interpretación femenina de la década.

Ganador:

· RINKO KIKUCHI, por BABEL.

Menciones:

· ADRIANA BARRAZA, por BABEL.

· HAFSIA HERZI, por COUS COUS.

· MARTINA GEDECK, por LA VIDA DE LOS OTROS.

Premio a la interpretación masculina de la década.

Ganador:

· PHILIP SEYMOUR HOFFMAN, por TODAS LAS VIDAS, MI VIDA.

· TAKESHI KANESHIRO, por LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS.

Menciones:

· ULRICH MÜHE, por LA VIDA DE LOS OTROS.

· CASEY AFFLECK, por EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD.

Premio a la mejor dirección.

Ganador:

· UN PROFETA, de Jacques Audiard.

Menciones:

· OLDBOY, de Park Chan-Wook.

· REQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky.

· LA VIDA DE LOS OTROS, Florian Henckel von Donnersmarck.

· BABEL, de Alejandro Gonzalez Iñarritu.

Premio al mejor guión.

Ganador:

· COLMILLOS, de Giorgos Lanthimos.

Menciones:

· TODAS LAS VIDAS, MI VIDA, de Charlie Kaufman.

· OLDBOY, de Park Chan-Wook.

· BUENAS NOCHES, BUENA SUERTE, de George Clooney.

Premio a la mejor musicalización.

Ganador:

· LA VIDA DE LOS OTROS, de Gabriel Yared, Stéphane Moucha.

Menciones:

· REQUIEM POR UN SUEÑO, de Clint Mansell.

· LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS, de Shigeru Umebayashi.

· TODAS LAS VIDAS, MI VIDA, de Jon Brion.

Premio a la mejor fotografía.

Ganador:

· LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS, de Zhao Xiaoding.

Menciones:

· EL REGRESO, de Mikhail Kritchman.

· PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO, INVIERNO Y OTRA VEZ PRIMAVERA, de Baek Dong-hyeon.

Premio al mejor trabajo de edición.

Ganador:

· COUS COUS, Ghalia Lacroix, Camilla Toubkis.

Menciones:

· REQUIEM POR UN SUEÑO, Jay Rabinowitz.

· BABEL, Douglas Crise, Stephen Mirrione.

Premio a la contribución social.

Ganador:

· EL EXPERIMENTO, de Oliver Hirschbiegel.

Menciones:

· LA VERDAD INCÓMODA, de Davis Guggenheim.

· BUENAS NOCHES, BUENA SUERTE, de George Clooney.

Premio a la excepcionalidad estética.

Ganador:

· EL LABERINTO DEL FAUNO, de Guillermo del Toro.

Menciones:

· BABEL, de Alejandro Gonzalez Iñarritu.

· LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS, de Zhang Yimou.

· EL ARCA RUSA, de Alexandr Sokurov.

Premio a la mejor escena.

Ganador:

· EL LABERINTO DEL FAUNO – Segunda prueba.

Nominados:

· LOS SOÑADORES – Escena del Louvre

· A TRAVÉS DEL UNIVERSO – Let it be.

Premio a la mejor construcción de un personaje.

Ganador:

· Wiesler, de LA VIDA DE LOS OTROS. Ulrich Mühe.

Nominados:

· Leo, de LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS. Andy Lau.

· Christina, de COLMILLOS. Anna Kalaitzidou

____________________________________________________

Dicho ésto, les dejo un listado con todas las películas de la selección, la cantidad de premios y menciones que ha cosechado cada una.

Listado final.

· La cinta blanca (1 mención)

· Un profeta (1 premio)

· Colmillos (1 premio, 1 mención)

· Hace mucho tiempo que te quiero

· Todas las vidas, mi vida (1 premio, 2 menciones)

· A través del universo (1 mención)

· Cous cous (1 premio, 1 mención)

· El asesinato de Jesse James… (1 mención)

· La vida de los otros (3 premios, 4 menciones)

· El laberinto del fauno (3 premios)

· Babel (1 premio, 5 menciones)

· La fuente de la vida

· La verdad incómoda (1 mención)

· Buenas noches, buena suerte (2 menciones)

· Munich

· El umbral

· La casa de las dagas voladoras (2 premios, 4 menciones)

· Closer

· Los soñadores (1 mención)

· Dogville

· Oldboy (2 menciones)

· Primavera, verano, otoño, invierno y otra vez primavera (1 mención)

· El regreso (1 mención)

· Elephant

· El arca rusa (1 mención)

· El Experimento (1 premio)

· El tigre y el dragón

· Réquiem por un sueño (4 menciones)

PELÍCULAS CON MÁS PREMIOS.

LA VIDA DE LOS OTROS (3)

EL LABERINTO DEL FAUNO (3)

LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS (2)

BABEL (1)

TODAS LAS VIDAS, MI VIDA (1)

PELÍCULAS CON MÁS RECONOCIMIENTOS.

LA VIDA DE LOS OTROS (7)

LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS (6)

BABEL (6)

REQUIEM POR UN SUEÑO (4)

TODAS LAS VIDAS, MI VIDA (3)

Ésto es todo por hoy. En unos días serán entregados los premios del certamen paralelo.

Saludos, y gracias por compartir este PROYECTO SOBRESALIENTE con UNA LOCURA DE PELÍCULA.

(*) - La Selección Oficial y el Certamen Paralelo fueron realizados a partir de las puntuaciones del sitio, donde aquellas películas con nota "9 (nueve)" y "10 (diez)" han tenido su lugar en cada una de las competencias. Para la premiación en cada uno de los rubros colaboró Santiago Amareno, un apasionado de la literatura, bibliotecario de 25 años y fanático del cine. Su paciencia y su perspectiva, además del respeto y el compromiso en este trabajo, son dignos de ménción. Un enorme gracias.

Martha Marcy May Marlene

2012-01-12T06:17:00.001-02:00

Martha Marcy May Marlene.

Trailer en su versión original.

Crítica.

Si en una pipeta volcamos pequeñas dosis de algunas de las mejores películas de los últimos años, como “Hace mucho tiempo que te quiero” de Claudel, “La boda de Raquel” de Demme, “Colmillos” de Lanthimos, “El árbol de la vida” de Malick y “Melancholia” de von Trier (por nombrar algunas), dejándolas reaccionar por un tiempo medianamente prolongado, el resultado sería “Martha Marcy May Marlene”, un delicioso experimento psicológico (y por qué no sociológico) protagonizado por una magnífica Elizabeth Olsen. El viaje resume una odisea narrada de manera poco convencional, que alterna sueños (o pesadillas) con recuerdos perturbadores y una realidad insostenible.

En este gran trabajo, nada es lo que parece. Se enfoca directamente en los problemas que tiene nuestra protagonista, quien parece tener personalidad múltiple y sufre de tormentos que le impiden ser libre. Por eso comienza huyendo, lo que nos hace pensar cuál será el destino de Marcy May en esta obra ¡¡circular!! sobre la vida misma. Al escaparse de un grupo de personas con credos bastante particulares (no sé si exagerados, erróneos o justos), llega a la casa de su hermana. Pero no sólo este reencuentro supone el cruce de dos personas que no se ven desde hace mucho tiempo (algo así sucede en la mencionada cinta de Philippe Claudel), sino también el cruce de dos ideas contrapuestas sobre la vida social, sobre el mundo, sobre el hombre: el valor natural y el valor económico. Son dos cuestiones que han ido evolucionando a lo largo del tiempo, una tiene que ver con la vida del hombre en libertad, sin limitaciones (algo que se toca en profundidad en la gran película de Malick) y otra con las restricciones que sí tienen que ver con el sistema económico. El personaje no puede asimilar el cambio, ha asumido una idea de la vida en la que cree, de la que difícilmente se separe, y que seguramente siga atormentándola como los rostros y las palabras que ha dejado libres en el pasado.

También hace referencia directa a dos imágenes. Por un lado, la imagen de la mujer paranoica. Hay una escena con un vaso que refleja un poco esto, así como también la posibilidad de elegir. Por el otro, la imagen de la mujer (que) madura, tras atravesar el bosque en el inicio. Porque madurar significa, en este mundo, convertirse a lo que profesa el mundo en general: materialismo, capital, infelicidad. En síntesis, toda una tragedia sobre una mujer frágil y dominada no sólo por la sociedad, sino por sí misma. Cooperan para la efectividad de una película excesivamente prolongada con momentos innecesarios (que reiteran el carácter anormal de la persona), la milagrosa interpretación de Olsen y Hawkes, además de un enorme manejo de la cámara. Película imperdible y desesperante sobre cómo asumimos nuestro papel en el mundo, pesimista en el sentido de que el hombre no puede hacer nada para transformar la sociedad, optimista en el sentido de que aún, por lo visto, pueden hacerse buenas películas.

Puntuación: 8/10 (Muy buena)

Attenberg

2012-01-11T05:47:00.002-02:00

Attenberg.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Quizá algún lector recuerde aún esa gran película, que recién he visto hace no demasiado tiempo, llamada “Mi tío de América” y dirigida por Alain Resnais. Hay muchísimo paralelismo con “Attenberg”, el último delirio griego visto dirigido por Athina Rachel Tsangari. Las dos tratan más o menos lo mismo: explican el comportamiento del hombre a partir de un estudio de caso, y basándose en alguna teoría. Henry Laborit, ahora es sustituido por David Attenborough, en cuyos documentales explica las relaciones del hombre (en estado de naturaleza, claro) con el animal. El estudio particular: el de una muchacha que aún no ha descubierto los misterios de la sexualidad, ni los (no) misterios de la sociedad, cuyo padre está en el límite que divide la vida de la muerte. Este sujeto critica cómo el hombre natural ha sido convertido en un hombre capitalista, como la agricultura ha sido arrasada por una dominante burguesía.

Ambos (padre e hija) pertenecen a la misma corriente de pensamiento. La misma a la que pertenece el mentor de Martha Marcy May Marlene, por ejemplo. Aunque la joven, que debe atravesar los límites de su encierro para hacerse cargo de su vida tras la inminente muerte del “hombre de la casa”, comienza a percibir que la sociedad es extraña. Así como nosotros sentimos que ella es la extraña (sus diálogos son articulados, casi cavernícolas). Toma como puente a su amiga, Bella, con quien tiene una relación de amor/odio para entender el mundo, y sobre todas las cosas, para entender el sexo. El psicoanálisis, por ejemplo, trabaja entre otras cosas sobre dos ideas fundamentales. El sexo y la muerte. Acá se ven ambas cosas. La joven e inexperta muchacha está aprendiendo, está experimentando, está rompiendo las paredes que la han protegido (por medio de su padre) del mundo atroz y capitalizado (gesto de ruptura: ver cuando ella debe pagar por el uso de la TV).

Grecia demuestra que tiene muchas ideas. Una civilización ahora contemporánea, que vuelve a sus orígenes para explicar las acciones del hombre. Después de todo, muchas de las ciencias que explican su comportamiento nacen en Grecia, y ahora el cine parece retomarlas de forma actualizada y concreta. Abunda el absurdo y el ridículo, en la película más divertida del año. Un estudio espléndido del instinto animal de todos los hombres, en este caso totalmente exagerado, bajo la intensa mirada de Ariane Labed –protagonista absoluta de esta exquisita obra, que no es perfecta, no es redonda y tampoco es absorbente, pero que con ese inicio entre repugnante y espectacular, sumado a “Tous les garçons et les filles” y a ese final (mejor cierre imposible) hace más que convencernos.

Puntuación: 8/10 (Muy buena)

Las canciones de amor.

2012-01-10T05:59:00.002-02:00

Les chansons d’amour.

Trailer subtitulado al inglés.

Crítica.

Si alguno de ustedes quiere enamorarse, deje de perder el tiempo en su oficina, en internet, y vaya al cine. ¿Qué mejor para enamorarse que esta película? Christophe Honoré, de quien confieso abiertamente no haber visto nunca nada antes, trae (ha traído, es del 2007, pero recién se ha estrenado en nuestros cines platenses hace diez días) sus canciones de amor, en un musical distinto a cualquier otro. Porque muchas veces uno se queja de que las canciones no hablan de la película, están decorándola un poco, y nada tienen que ver. Acá, las letras son un componente imprescindible para comprender la historia, para sentirla en el corazón, para no olvidarla nunca. La historia de tres amantes, con el espíritu (sí, también el actor) de la extraordinaria obra maestra de Bernardo Bertolucci: “Los Soñadores”.

Tres jóvenes (dos muchachas, un muchacho, interpretados por Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier y Louis Garrel) y tres historias (la partida, la ausencia y el regreso) dan volumen a esta melancólica “Vicky Cristina Barcelona”, con sus psicosis, sus tragedias y sus deseos. Comienza a transitar los luminosos senderos de la comedia, aunque rápidamente toma un atajo (quizá innecesario: pero así es la historia) al oscuro caminito del drama, de la desolación, de la tristeza. Como en “Los soñadores”, uno les toma cariño rápidamente. Quizá, porque trabajan naturalmente, son divertidos y simpáticos. Entonces uno goza más de algunos números musicales, y sufre otros. Ludivine Sagnier, el alma de la película, la belleza ambulante, la perfecta voz (ya ha experimentado la belleza en “La piscina” y la voz en “8 mujeres”), es la que nos trae todas las emociones en mano, la que mejor confecciona el ambiente, la que más sobresale. El carismático Garrel y la bellísima Hesme acompañan tremendamente bien. Y aparece Chiara Mastroianni, en un rol justo para ella.

Durante la segunda mitad de la película, “Las canciones de amor” toman un rumbo casi desesperado, por momentos agridulce, por momentos apabullante. Entre lo cómico insólito y lo trágico realista, podemos ubicar esta pequeña joyita musical, que se adora y sufre en partes idénticas. Honoré se encarga de ubicarnos dentro de su obra, de enamorarnos con todos los recursos a su alcance, de enloquecernos con sus jueguitos de palabras, y de hacernos sentir escalofríos con ese final, que acaba bien en lo alto. Una frase que resume el porvenir de los personajes, que resume la vida misma. Hay algo en ella, misterioso, probablemente, que nos hipnotiza con la magia angelada del amor. Mágico, sí, de verdad.

Puntuación: 9/10 (Excelente)

Glee: el concierto.

2012-01-09T05:32:00.003-02:00

Glee: the 3D concert movie.

Trailer subtitulado al español.

Crítica.

Criticar la película de “Glee” es como criticar una serie, un recital, o criticar todo junto. De por sí, el producto como serie televisiva es bastante tramposo. Enfocándose en la vida de unos muchachos durante los últimos años de colegio (los actores parecen de treinta años, pero interpretan a chicos de dieciséis, diecisiete), nos muestra la clase baja de la institución, la golpeada por los prejuicios: la clase de los coristas. Son perdedores, discriminados (negros, gordos, homosexuales, lisiados), que se dan una oportunidad a sí mismos en un conjunto, el Club Glee, considerado lo peor de lo peor. Pero a lo largo de la temporada, van viendo cómo triunfan poco a poco y cómo otros críticos comienzan a sumarse a la experiencia.

“Glee: el concierto” nos muestra lo que se ve y lo que no se ve de un concierto. Sólo están presentes los chicos, que hablan a cámara como personajes y no como actores. Si hay un guión detrás de sus comentarios, no lo parece. Y de no haberlo, la cámara capta momentos irrelevantes que parecen rellenar esos escasos treinta minutos de interés, extendiendo la película a unos 75. Luego, tenemos dos dimensiones usadas para contar la historia. El recital, donde vemos un espectáculo bastante pobre (digo, son la serie del año, deberían haberse empeñado un poco más en los efectos sobre el escenario) y algunas presentaciones buenas; otras, no tanto (“Sing” de My Chemical Romance es horrible). Y por otra parte, las historias de vida de fanáticos que nos cuentan cómo “Glee” los ha hecho crecer y creen que lo importante es lo de adentro.

Desde lo personal, creía que esta experiencia del concierto en tres dimensiones intentaría darle frenos al optimismo exagerado. Sin embargo, los empalagosos testimonios de homosexuales y enanos parecen seguir los principios de la serie en sí, enseñándonos que sólo importamos nosotros mismos (¡qué enseñanza!) y que no debemos dejar de creerlo. Tornándose por momentos excesivamente inverosímil, este trabajo es sumamente olvidable. Tiene algunos momentos de genialidad, pero escasean. El resto, es bastante malo. Fantasioso, como la serie. Pero no podemos culpar esta… ¿adaptación?, cuando la fuente de la que bebe es una serie como “Glee”, tan realista como “The walking dead” y tan engañosa como un mago en una fiesta infantil. Me quedo con las cosas buenas. Buenos covers y personajes haciendo playback (porque he oído a los actores cantando en vivo, y lo que se escucha es totalmente distinto) muy bien

Puntuación: 4/10 (Regular)